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资源:名家新古典、现代交响乐-版本收集帖 (...)

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发表于 2016-12-7 13:19 | 显示全部楼层 |阅读模式
本帖最后由 jimguo 于 2016-12-8 15:15 编辑
注意很多下载文件名下载后右边被切断可根据原始网页文件名修补好

表现主义音乐
表现主义是第一次世界大战前夕在德奥兴起的一个现代流派。它最先出现在绘画、文学等领域,然后扩展到音乐领域。
表现主义常常与印象主义相对立而言。简单地说,如果印象主义是把人们对外界的印象描绘下来,那么,表现主义就是把人们内心的体验表现出来。印象主义描绘的 对象主要是大自然、日常生活中的情景,以及它们周围的色彩、光线和气氛。表现主义抓住的却是人的内心的、灵魂深处的感觉和情绪。它强调的不是客观物体的外貌,而是艺术家自我的感受和体验。勋伯格说:“作曲家力求达到的唯一的、最大的目标就是表现他自己。”表现主义者往往把自身内心的体验当作创作的唯一依据,用自己主观对现实的理解来代替真正的现实。
更多内容:http://www.erji.net/forum.php?mod=viewthread&tid=1898579



CHANDOS & DG:尼姆·雅尔维 Neeme Jarvi -《肖斯塔科维奇:交响曲全集》(Shostakovitch:The Symphonies)(13CD)[APE]2.50 GB

作曲:德米特里·肖斯塔科维奇(Dmitri Shostakovich,1906-1975)
乐团:苏格兰国家管弦乐团(Scottish National Orchestra) & 哥德堡交响乐团(Gothenburg Symphony Orchestra)
指挥:尼姆·雅尔维(Neeme Jarvi,1937,)
录音年代:1985-2001年
发行公司:CHANDOS & DG (13CD)
发行时间: 2001年
地区: 英国,德国
语言: 英语,德语
资源格式: 13CD, APE, 2.50 GB (cue文件不用下载,压缩包Cover&Cue里有了。)
http://www.ed2000.com/ShowFile/270583.html

交响曲是肖斯塔科维奇作品中最著名的;庞大的结构,黯然的色调,冥想的气质以及间或爆发出的狂烈的激情等肖氏作品的特点在这里得到集中而全面的体现。
- 个人不认同,听交响音乐过度结合时代背景。音乐是节奏和旋律的组合,反映了人的心理情绪。只要能感受这种轻重缓急就是欣赏。
肖斯塔科维奇的交响,当你不认同的时候就听不下去。但当你全部浏览试听以后,就会感觉情感表达劲霸博大激爽。难怪音乐界人士说肖斯塔科维奇是新时代的贝多芬。

尼姆·雅尔维(Neeme Jarvi),爱沙尼亚指挥家。1937年6月7日生于爱沙尼亚首都塔林。
1976年,雅尔维出任新成立的爱沙尼亚国家交响乐团艺术总监兼首席指挥。1980年1月移居美国,此后与纽约、芝加哥、洛杉矶、旧金山和底特律等许多乐团合作,担任客席指挥。还成功地指挥过阿姆斯特丹皇家音乐厅乐团、巴伐利亚电台交响乐团、巴黎乐团、法国国家乐团、柏林爱乐乐团、伯明翰市交响乐以及伦敦一些主要乐团。
 楼主| 发表于 2016-12-7 13:39 | 显示全部楼层
DG:《马勒全集》(Mahler Complete Edition) 马勒诞生150週年纪念专辑 (18个分包) [APE]8.71 GB

唱片编号:DG 477 8825
进口专辑 / CD / 18 片装
发行时间: 2010年05月07日
地区: 德国
语言: 英语,德语
资源格式: APE, 18CD, 8.71 GB
http://www.ed2000.com/ShowFile.asp?FileID=273830

2010年7月7日为马勒诞生150週年纪念,DG特地发行此限量套装来纪念这位大师。

尽管是挂DG名号,但这套马勒全集拥有了环球体系的外援,除了DG外,Decca、 Philips都提供历年的马勒名盘。
乐迷最感兴趣的应该是,DG这套全集里,10首交响曲和《大地之歌》各由哪些名演获选,答案也揭晓了。第一号是库贝力克版(DG,1967)、第二号是梅塔版(Decca,1975)、第三号是海汀克版(Philips,1966)、第四号是布列兹(DG,1998)、第五号是伯恩斯坦(DG,1987)、第六号是阿巴多(DG,2004)、第七号是辛纳波里(DG,1992)、第八号是索尔蒂(Decca,1971)、第九号是卡拉扬(DG,1982)、第十号是夏伊(Decca,1986)、《大地之歌》是朱里尼(DG,1984)。
其中,朱里尼的《大地之歌》绝版多年,这套全集像及时雨一样。此外,克雷莫在DG的4D系列中录制的马勒钢琴四重奏,也已经绝版多年,这次的再版,令人期待。

- - 如何听马勒。
马勒的思想具有救赎悲悯的倾向,个人经历和家庭经历有很多幸福同时也有悲哀,但马勒是一个极端向往幸福和田园的人。多种情绪交织在一起就形成了马勒。用中国熟悉的语汇来说,就是大慈大悲情感。在音乐里经常把美好的大自然,田园,旅行,白天黄昏夜晚的美景描绘其中,同时交织着葬礼音乐的低音部。反映了生命无常,珍惜美好现实的情怀。
马勒对交响乐织体结构的复杂发展,已经不同于古典派浪漫派音乐那么简单的模式,用来描绘更加新颖的音乐情感。在音乐发展史上具有伟大开创性的历史地位。
可以从第一第三第六听起,这几个比较接近经典交响乐。马勒交响乐没有古典和浪漫派那么紧凑,也就更加接近于现代人宽松自然的音乐习惯和体验。

曲目:
CD01:马勒:No.1交响曲(库贝力克&巴伐利亚广播交响)
(Blumine - 发表时被删除的)I. (小泽征尔&波士顿交响)
CD02:马勒:No.2交响曲(梅塔&维也纳爱乐, 路德维希(演唱))
CD03-04:马勒:No.3交响曲(海汀克&皇家大会堂管弦, 佛芮斯特、荷兰广播合唱团(演唱))
CD05:马勒:No.4交响曲(布列兹&克里夫兰管弦, 班赛(女高音))
CD06:马勒:No.5交响曲(伯恩斯坦&维也纳爱乐)
CD07:马勒:No.6交响曲(阿巴多&柏林爱乐)
CD08-09:马勒:No.7交响曲(辛诺波里&爱乐管弦)
CD10:马勒:No.8交响曲(索尔蒂&芝加哥交响, 波普、奥格与哈波(演唱))
CD11-12:马勒:No.9交响(卡拉扬&柏林爱乐)
CD13:马勒:No.10交响曲(夏伊&柏林广播交响)
CD14:马勒:大地之歌(朱里尼&柏林爱乐, 阿莱沙、法丝宾德(演唱))
CD15:马勒:少年魔号(阿巴多&柏林爱乐, 范欧塔、夸斯托夫(演唱))
CD16:马勒:悼亡儿之歌、流浪青年之歌&吕克特歌谣(伯恩斯坦&维也纳爱乐, 汉普森(演唱))
CD17:马勒:嘆息之歌(夏伊&柏林德意志交响, 鲍尔、舒密特(演唱))
CD18:马勒:青春之歌(辛诺波里&爱乐管弦, 汉普森、范欧塔(演唱));
钢琴四重奏作品(克莱曼、V.哈根、C.哈根、麦森伯格);
韦伯:歌剧「三品脱」序幕曲(马勒/编曲)
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 楼主| 发表于 2016-12-7 13:42 | 显示全部楼层
本帖最后由 jimguo 于 2016-12-7 14:15 编辑
Herbert von Karajan卡拉扬 -《勋伯格: 升华之夜, 佩利亚斯与梅丽桑德》(Schoenberg: Verklarte Nacht, Pelleas und Melisande)[APE]

专辑中文名: 勋伯格: 升华之夜, 佩利亚斯与梅丽桑德
作曲:Schoenberg 勋伯格
指挥:Herbert von Karajan 卡拉扬
乐团:Berlin Philharmonic Orchestra
CD编号:DG 457 721-2
发行: 1998年03月17日
地区: 德国
资源格式: APE
http://www.ed2000.com/ShowFile/257066.html

卡大神指挥,总有妙处。

《升华之夜》(Verklarte Nacht OP.4)
这部热情洋溢的浪漫主义乐曲是由一位25岁的学生创作的。1899年夏,(按照他的教师亚历山大·冯·杰姆林斯基的说法)勋伯格在维也纳以南的帕耶巴赫小山村中开始创作《升华之夜》时,实际上只有25岁。有一则经常被人们传述的轶事说他在九月份的三星期假日中写完了整部乐曲。这似乎过于神速了,连罗西尼也未必能做到。但是,勋伯格的复杂的手稿,加上许多改动和大段的删减增添,所告诉我们的却完全是另一回事。勋伯格亲笔记下了他的完成日期:1899年12月1日。

交响诗《佩利亚斯与梅丽桑德》(PELLEAS AND MELISANDE OP.5)
勋伯格创作这首热情洋溢、感人肺腑的音乐时,年仅28岁。虽然他出生在维也纳,并就学(大部分是自学)于该地,他的《佩利亚斯与梅丽桑德》却创作于柏林。勋伯格暂时移居柏林的原因很简单:在保守的维也纳他难以糊口。这两个城市相比起来,柏林似乎活跃些,在专业上更可以有所作为,特别是勋伯格的第一部公开出版的作品,浪漫主义的弦乐六重奏《升华之夜》,作品第4号,是由一个柏林出版商出版的。当柏林歌舞团(恩斯特·冯·沃尔措根于1900年创办,在本特斯剧院内)聘请勋伯格担任指挥时,他接受了邀请。

勋伯格的音乐是从晚期浪漫主义出发,他有着深厚的传统音乐的根底,年轻时曾是瓦格纳的忠实追随者,所以早期的作品充满了浪漫的色彩,从他的作品中也能找到一些模仿的痕迹,如弦乐六重奏《升华之夜》,变化音体系的乐汇显然来自瓦格纳的《特里斯坦与依索尔德》,这是一首黑白的而不是彩色的斯特劳斯风格的交响诗;交响诗《佩利亚斯与梅丽桑德》有些音乐有斯特劳斯的特征,乐队事实上与《英雄的一生》一模一样;《乐队歌曲六首》中的渴望又有马勒的感觉。

勋伯格,奥地利作曲家,生于维也纳一个犹太家庭。主要依靠自学成才,1894年曾随亚历山大冯策姆林斯基学习对位,这是勋伯格一生中所得到的唯一正统的音乐教育课程。1911年至20年代,执教于柏林和维也纳。1933年前往美国,定居加利福尼亚,1940年入美国籍。除了有大量的作品外,他还著有《和声学》是当代最重要的和声论著之一;《和声的结构功能》;另撰有《风格与思想》和《作曲基本原理》,1907-1910年间作大量画幅,其中有不少为自画像。
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 楼主| 发表于 2016-12-7 13:47 | 显示全部楼层
DG大禾花版:卡拉扬 Herbert von Karajan -《马勒:第五交响曲》(Mahler:Symphony No. 5)[APE]

作曲:古斯塔夫·马勒(Gustav Mahler,1860—1911)
乐团:柏林爱乐乐团(Berliner Philharmoniker)
指挥:赫伯特·冯·卡拉扬(Herbert von Karajan,1908—1989)
录音年代:1973年
唱片编号:DG 447 450-2
版本: DG(大禾花版)
发行时间: 1996年08月13日
地区: 德国
语言: 德语
资源格式: APE
http://www.ed2000.com/ShowFile/260880.html

卡拉扬的马勒“第五”毋如他的《第六交响曲》和《第九交响曲》。卡拉扬似乎对马勒的“剪接”言语有些不以为然。所以,太本色,就凸现了结构、在色彩上却略有些平了。
目前,世界上的不少乐团,常把马勒《第五交响曲》作为训练和提高乐团素质的手段之一。那是因为演释马勒既可把握古典浪漫风格,又为演释现代之乐作了必不可少的技术准备。

法国文学大家罗曼·罗兰听了马勒《第五交响曲》后,声称是“严谨和松散的一个混合物”。对此,深喑马勒风格的伯恩斯坦却认为“马勒用音色喻示了20世纪的精神危机”。有心的听者只要认真聆听,便会觉得伯恩斯坦的结构色彩、句法和呼吸,以及对马勒独有的“剪接”音块和音色的把握均到了炉火纯青之境。他在用音色作着内心对天穹的表白。
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 楼主| 发表于 2016-12-7 14:11 | 显示全部楼层
DG: Karajan 卡拉扬 -《肖斯塔科维奇第十交响曲》(Shostakovich Symphony No.10) [APE]

专辑中文名: 肖斯塔科维奇第十交响曲
指挥家: Herbert von Karajan 卡拉扬
版本: DG
地区: 俄罗斯
语言: 德语
资源格式: APE,194.33 MB
http://www.ed2000.com/ShowFile/60025.html

这是肖斯塔科维奇为“二战”创作的作品,被人们称为伟大鼓舞人心的“战时音乐”,全曲充满紧张、压抑的主导动机,结构庞大。这个录音版本是由“指挥皇帝”卡拉扬带领下,以纯粹理性着称的柏林爱乐把这部交响乐震撼性的演奏出来。而且这部《第十交响曲》是肖斯塔科维奇十五部交响曲中,卡拉扬所唯一指挥过的的交响曲。卡拉扬为了荃释好这部作品,还特意到西柏林一趟,去和肖斯塔科维奇亲自见面和沟通,足显这部录音的珍贵和重要性!

肖斯塔科维奇一生创作丰富,遍及各种音乐体裁的作品。在卫国战争期间的重要作品是两部交响曲。《第七交响曲 》是作者在战火纷飞的列宁格勒,仅用3个多月写成的,作者将它题献给这座英雄的城市。这是第一部反映卫国战争,反映重大社会事件的音乐作品。它极大地鼓舞了苏联人民的抗敌意志。《第八交响曲》"试图表现人民的体验,反映战争的可怖悲剧",立即在欧美各国受到重视。战后的第一部大型作品《第九交响曲》,是一部具有古典主义的和抒情喜剧色彩,并包含若乾悼念篇节的作品。从1948年起,肖斯塔科维奇写了大量声乐作品。其中最突出的是清唱剧《森林之歌》,这一时期的重要作品还有《第十交响曲》、《第十一交响曲》、《第十二交响曲》、《第十三交响曲》以及管弦乐声乐曲《斯捷潘.拉辛的死刑》等。
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 楼主| 发表于 2016-12-7 14:29 | 显示全部楼层
本帖最后由 jimguo 于 2016-12-7 14:46 编辑

梅西安 Olivier Messiaen (1908-1992),法国作曲家、风琴家及鸟类学家,普遍公认为二十世纪最具代表性的作曲家之一。

梅西安是德彪西、拉威尔之后,最重要的法国作曲家,他的重要性,首先在于用现代作曲氛围重新包装了传统的宗教音乐主题;其次是在东西方音乐素材融会中,找到一种通向深远的神秘主义的语境。

梅西安身为“二战”前后的作曲家,也许是战后影响最大的作曲家。对宗教题材的巨大热情曾在西方现代文化中带起一股不小的热情。如果纵观梅西安一生的经历,就可以理解梅西安所有的音乐主题——宗教、大自然与爱情——从何而来。

梅西安是从德彪西的印象主义基础上起步的,他11岁就被父母送进巴黎音乐学院深造,当时德彪西刚刚去世。他崇拜德彪西,从歌剧《佩利亚斯与梅丽桑德》始,由此有一个较高的境界。《佩利亚斯与梅丽桑德》是以吕利的法国音乐传统嫁接梅特林克的神秘主义的结果。毕业前,1928年他20岁时所作的《圣餐》,篇幅仅6分钟,是管风琴所表现的,一种越来越要向幽深的境界飘去的沉思默想。

他的音乐常融入复杂的节奏语言(他私下钟爱古希腊和印度音乐),并以“有限移调调式”(梅西安自他早期作品中提出的概念)铺陈出和声与旋律。梅西安身为一位天主教徒,曲作中常流露出他对信仰的虔诚。
他时常远行,因而在作品中融入了多样元素,例如日本音乐、犹他州布莱斯峡谷国家公园的风景以及圣方济各的生活等。梅西安曾形容,当他听见和音、尤其是根据他的音乐调式所谱出的和声时,会不由自主产生共鸣、联想到色彩(即所谓的联觉现象),进而将这些色彩结合、转化入旋律之中。有一段时间,他全心投入关于“全序列主义”参数化的实验,因此被后世认定是序列主义领域的革新先锋。他是首位在管弦乐曲中使用电子琴(即梅西安的马特诺电子琴)的作曲家之一。

1940年,德国闪电般入侵法国,法军在战场上迅速瓦解,梅西安就在败退的法军中,被德军俘虏,运载到纳粹德国的集中营。那里有一位喜爱音乐的管理员,认出了梅西安。这位叫布鲁尔的德国军官下令给梅西安准备纸笔和橡皮,并给他一间不受打扰的空房,让他可以继续创作。梅西安在被俘前,才刚写了一首曲子的标题“在时间尽头”。在接下来的时间里,梅西安创作了闻名的《时间尽头四重奏》(时间结束四重奏)。1941年1月,德国冰天雪地,在一座战俘营中,300多名战俘与卫兵挤在一起,聆听台上四位演奏者演奏他们从来没有听过的音乐。四位演奏者中 ,一位弹钢琴、一位拉小提琴、一位拉大提琴,还有一位吹单簧管。他们用的乐器都是在战俘营里找来凑合的。弹钢琴的正是梅西安,而所演奏的作品,就是他在战俘营里写的《时间尽头四重奏》。日后他追忆说:“从未有人如此全神贯注地聆听我的音乐,如此心领神会。”

1942年回国担任巴黎音乐学院的和声教授。弟子包括布列兹、施托克豪森、泽纳基斯和钢琴家伊冯·罗里奥(Yvonne Loriod)、陈其钢。
这一时期产生了许多重要作品,包括庞大的《图伦加利拉交响曲》(1946-8年),由波士顿交响乐团首演于1949年,伯恩斯坦指挥。作品标题取自一首印度节奏鲜明的恋歌中的诗词用语。全曲极富活力和声色之美,是一曲爱情的赞歌。在为《图伦加利拉》撰写的说明中,梅西安将走向高潮的第五乐章称之为“以持久而狂热的欢乐之舞,将热烈的肉欲推向巅峯”。除了独奏钢琴,作品还独具一格地采用马特诺电琴——一种早期的电子乐器-并吸收印度音乐节奏和鸟鸣等多种素材。
对日后为其弟子带来非凡灵感的十二音体系,梅西安作过短暂的探索。但整个五十年代,他主要从事以鸟鸣为素材的改编和创作。这种改编并非依样画葫芦,因为他力求捕捉的是与鸣禽的斑斓五色相对应的音响。1956年,他为伊冯·罗里奥写了“钢琴协奏曲”《异国鸟》。
晚期作品中,他将精美的鸟鸣置于更宽广的语境中,由此产生了以犹他州的布莱斯(Bryce)峡谷风光为灵感源泉的大型作品《从峡谷到星空》(1975-83年),梅西安对鸟鸣和宗教的双重兴趣,在此找到彼此交融的完美载体。
1978年,梅西安从音乐学院退休,但此后继续其独具面目的创作,直至生命的最后一年。倒数第二部作品是1991年纪念莫扎特逝世二百周年的《微笑》(Un Sourire)。
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 楼主| 发表于 2016-12-7 14:36 | 显示全部楼层
本帖最后由 jimguo 于 2016-12-8 06:12 编辑

DG:Olivier Messiaen 梅西安 -《时间终结四重奏》(Quartet for the End of Time) Barenboim,Yordanoff,Desurmont,Tetard[APE]

专辑英文名: Quartet for the End of Time
专辑中文名: 时间终结四重奏
作曲家: Olivier Messiaen 梅西安
演奏:钢琴 Daniel Barenboim, 小提琴 Luben Yordanoff, 单簧管 Claude Desurmont, 大提琴 Albert Tétard
CD编号:DG 423 247-2
发行时间: 1988年
地区: 法国
语言: 法语
资源格式: APE
http://www.ed2000.com/ShowFile/58167.html

《时间结束四重奏》是梅西安的名作,这首作品是梅西安在战俘营里完成的。梅西安被俘前,才刚写下这首曲子的标题“在时间尽头”。这个标题出自《圣经·启示录》第十章,当第七封印被揭开时,神面前会出现七位手持号角的天使,其中第七位天使向天起誓说:“时间到了尽头,不再有时间了。”
《启示录》描绘上帝再临的终极审判,一方面启示救赎,另一方面却又充满了对现世毁灭的恫吓。毁灭过程一方面是焚烧,另一方却又是黑暗,而且背景还响着凄烈的号角声,这样的情景,多么符合现代战争的景况。
不过梅西安想像的“时间尽头”,还有另外一层音乐上的意义。时间也是构成音乐的节拍元素——0节拍,音乐建立在规律和清楚的节拍时间上。梅湘生活《时间尽头四重奏》里的节拍一下子延长,一下子收缩,一下子突然停滞,一下子甚至以对称的方式卷过来又卷过去。音乐还在,但大家印象中的音乐节拍规律被梅西安打乱了。在20世纪,短短30年中爆发了两次世界大战,中间又有各国长期密集的军事竞争,军队的军人,如此滥用了规律和清楚的节拍!
鼓声、号角声,尤其是引发人激动情绪的“一、二、一、二”进行节拍,是20世纪军队最突出的场景,在这样的节拍中,大批的军人迈步前往战场,走向毁灭。

梅西安真的听厌了军队与战争的节拍,他要返回音乐的本源本质,追求“时间尽头”,追求被战争滥用的节拍的终止。
末日,没有恐惧,没有焦躁不安,没有痛苦。
末日,一切终结的时刻,一个纯洁静谧的时刻,人们涤清灵魂的污浊之后,即将飞升天国。

这不是一首寻常的四重奏----既不是弦乐四重奏也不是钢琴四重奏。这是小提琴、单簧管、大提琴和钢琴的四重奏。如此古怪的搭配,并非梅西安有意标新立异,实在是出于无奈。这首诞生于纳粹德国集中营的传世之作,是在集中营中首演的。当时梅西安在狱中的难友中只能找到一个拉小提琴的,一个拉大提琴的,一个吹单簧管的,他本人担任钢琴演奏,其演奏的钢琴还是缺了许多琴键的。
就是这样一个残酷时代,这样一个严峻的时刻,每个人都在与死亡对视,在绝望中期待奇迹。聆听这首《时间尽头》,我可以想象梅西安的心境——在危机包围中,在死亡的窒息中,他仰面向天,用音乐散播安宁与爱,用音乐向上帝祈祷,赞美主赐予的生命。他用美来蔑视丑恶,用高尚纯净的灵魂来谴责纳粹的暴行。这是无声的轰鸣,受难者的表情令施暴者心悸。

《时间结束四重奏》的4件乐器分别是单簧管、小提琴、大提琴和钢琴,全曲共8乐章,演奏速度慢一点,就需要50多分钟。这样的篇幅,在室内乐作品中极少见,它又以抽象音乐语言,表现痛苦在超脱中的慰藉这样特别具体的情绪。它不仅是现代音乐中的杰作,在自古以来的室内乐作品中,尤其对单簧管这种乐器的性格挖掘,都到了炉火纯青的地步。其中所表现的那种苍凉中的虔诚,实在可与勃拉姆斯的单簧管五重奏成姐妹篇。这首作品是梅西安所钟情的有关鸟的意象的真正确立,它的第一乐章标题是“水晶的礼拜”,以各种各样鸟在晨光中苏醒为开端,那些 鸟的翅膀划破沉寂的空气。这些鸟显然是人的命运各种形态的投射,它们被阴郁而又慵懒的背景所包围,呈示着苦难,等待第二乐章的天使来宣告世界末日中的拯救。

这首四重奏最感人在第三、第五与最后的第八乐章。第三乐章以单簧管独奏为主,标题是“鸟儿们的深渊”,是对人生的反思,一种伤痕累累孤独中对自己的抚摸。梅西安自己说,鸟儿们这般倾诉中,表现的是对星、光、虹的向往。第五乐章是大提琴在钢琴冷酷的和弦敲击下表达“耶稣永恒的颂歌”,表现“圣经”的普世价值,一种无穷尽爱的厚厚包容。它之后,第六乐章“七个号角的狂舞”、第七乐章“宣告末日的天使之虹的错乱”都表现了冲突。7个号角指《约翰启示录》中的7声雷声,第七乐章则是,6天创世后,人在第七安息日的天使之虹中被超脱,超脱过程恍惚又眩晕,是灵魂的被救赎。最后的第八乐章,是小提琴表现的第二首“耶稣永远不朽的颂歌”,按梅西安说法,是安息日的无穷延长,“变成永远被光照耀安宁的第八日”。这首作品,构成梅西安音乐魅力的几大要素已经成熟地组织在了一起:鸟鸣中悲哀的人生,对人生意义的沉思默想,安息日召唤中灵魂挣脱世俗而去的撕裂与颤栗,在星光中安居所获得的狂喜。它们构成着动与静充满张力的对比。
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 楼主| 发表于 2016-12-7 14:41 | 显示全部楼层
本帖最后由 jimguo 于 2016-12-7 15:13 编辑

DG:Chung Myung-Whun 郑明勋 -《梅西安-图伦加利拉交响曲》(Messiaen - Turangalila Symphonien) Myung-Whun Chung, Bastille Opera Orchestra[APE]

作曲 : 梅西安
指挥 : 郑明勋
乐队 : 巴士底歌剧院管弦乐团
出品 : DG唱片公司
版本: Myung-Whun Chung, Bastille Opera Orchestra
发行时间: 1992年05月12日
地区: 韩国,法国
语言: 法语
资源格式: APE
http://www.ed2000.com/ShowFile/66468.html

完成于1948年的《图伦加利拉交响曲》这是他一生所作唯一的交响曲,曲名是梵语的“爱之歌”,是他批判世俗欲望的作品。这部长达两个多小时的钢琴曲集,通过对主耶稣众多眼睛的默想,试图超越德彪西的《意象集》。
这部交响乐的标题是由两个梵文词汇组合而成的。turana意指时间的流动及运动和节奏。lila的意思是游戏,同时也指爱情。梅西安告诉人们:整个标题可以理解为“欢乐的赞歌”或“爱情之歌”,这完全是一种超凡脱俗的欢乐,一种洋溢着神圣力量的爱情。
值得一提的是,该曲首演时的钢琴独奏者伊冯娜*洛里奥不久以后成为作曲家的妻子。事实上,梅西安当初创作此曲时就是为她写下的钢琴声部,并将其放在重要位置上。而她也的的确确是梅西安钢琴作品的最佳演绎者。

《图伦加利拉交响曲》其中丰富的打击乐充满喧嚣与骚动,各种各样的音响奇异表现层出不穷,混杂成色彩斑斓的汹涌澎湃。比如第二乐章中,明显能听到格什温《一个美国人在巴黎》中,美国人走在香榭丽舍大街上那种洋洋自得,而更多是充满诱惑的异国情调。一般人认为,这种异国情调来自印度,其实更有效果的是马特诺电子琴及鼓。
这首作品共10个乐章,第一、五、六与第十乐章似画框,二、三、四与七、八、九为内容,五、六在中间做间隔。
如仔细分析,前半部二、四是情歌,中间夹一个“图伦加利拉”;后半部七、九是图伦加利拉,中间夹一个“爱的展开”。3个“图伦加利拉”是最初创作的原点,精华所在,仔细听它们,都是精妙的节奏效果试验,这些节奏的不规则组成改写了有关旋律的概念。由此“图伦加利拉”的真正含义是,通过“时间节奏变化的游戏”来表现爱与欲望的深渊,所有效果其实都为这种深渊吸引力的形象化。


DECCA: Riccardo Chailly -《梅西安:图伦加利拉交响曲》(Messiaen: Turangalila Symphony) [FLAC]

作曲:Olivier Messiaen 梅西安
指挥:Riccardo Chailly 夏伊里
管弦乐队:Royal Concertgebouw Orchestra 阿姆斯特丹音乐厅乐团
钢琴:Jean-Yves Thibaudet 蒂博代
马特诺琴:Harada Takashi 哈拉达
厂牌:DECCA
CD编号:00289 436 6262
发行: 1993年
地区: 英国
资源格式: FLAC
http://www.ed2000.com/ShowFile/164237.html

这首交响曲的版本由夏伊里1992年指挥阿姆斯特丹音乐厅乐团版,蒂博代 (Thibaudet)钢琴、哈拉达(Harada)电子琴。《企鹅》评介三星。

最近看了些宗教相关的电影,如《达·芬奇密码》,《先知》,《天使与魔鬼》等,对相关的音乐同样产生了浓厚的兴趣。而首先想到的作曲家,是作品中蕴涵着虔诚宗教主题的梅西安。这部作曲家唯一的一部交响曲,以超凡脱俗的表现力,和色彩斑斓的音色,给人的心灵以极大的震撼力。借用一句余华的感触:“这部将破坏和创造,死亡和生命,还有爱情熔于一炉的作品让我浑身发抖,直到现在我只要想起来这部作品,仍然会有激动的感觉。”
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《图伦加利拉交响曲》,是梅西安最著名的作品,这首交响曲受库塞维茨基基金会委托,为波士顿交响乐团而作,作于1948年,“图伦加利拉”是梵语“爱情之歌”的意思。配器除管弦乐队外,还有钢琴单音电子琴和打击乐器。此曲1949年12月2日由伯恩斯坦指挥波士顿交响乐团首演,钢琴独奏为梅西安的妻子洛里奥,单音电子琴演奏为马托诺。共10个乐章,其中第一、五、六、十相当于画框,其余为内容。

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 楼主| 发表于 2016-12-7 14:57 | 显示全部楼层
本帖最后由 jimguo 于 2016-12-7 14:58 编辑
NAXOS:Hakon Austbo -《梅西安:鸟鸣集》(Messiaen:Catalogue d'oiseaux) 3CD[APE]

专辑英文名: Messiaen:Catalogue d'oiseaux
专辑中文名: 梅西安:鸟鸣集
艺术家: Hakon Austbo
类型: 协奏曲
版本: Naxos 3CD
发行: 1997年
地区: 英国
资源格式: APE
http://www.ed2000.com/ShowFile/151383.html

梅西安,法国作曲家、管风琴演奏家以及鸟类学学者。其著名作品有图兰加里拉交响曲、时间之终结、歌剧阿西西的圣方济各等等。梅西安的作品中经常表达天主教的题材,但同时也常常受到东方的音乐风格,如印度音乐、日本雅乐、印尼甘美兰音乐的影响。他经常将日常听到的雀鸟叫声记谱,并运用于其作品之中。
梅西安对调性、和声、十二音列、鸟歌、希腊节奏、印度节奏等等都有深入的研究,其音乐理论著作有我的音乐语言(Technique de mon langage musical)和节奏、色彩与鸟鸣的理论(Traité de rythme, de couleur, et d’ornithologie )。梅西安是巴黎音乐学院的教授,其著名学生有皮埃尔·布列兹(Pierre Boulez)、卡尔海因茨·施托克豪森(Karlheinz Stockhausen)、依雯.洛丽奥(Yvonne Loriod,后来成为梅西安第二任妻子)、泽纳基斯(Iannis Xenakis)、陈其钢等等。


Olivier Messiaen -《梅西安:百鸟苏醒,三个小礼拜仪式》(Reveil des oiseaux) Loriod,Nagano ERATO [APE]

专辑英文名: Reveil des oiseaux
专辑中文名: 梅西安:百鸟苏醒,三个小礼拜仪式
艺术家: Olivier Messiaen
版本: Loriod,Nagano ERATO
发行: 1996年
地区: 法国
语言: 法语
资源格式: APE
http://www.ed2000.com/ShowFile/28985.html

梅西安为钢琴和乐队而作的《百鸟苏醒》(Reveil des oiseaux),副标题为《春》,献给鸟类学家图拉曼与妻子洛里奥(Loriod),作于1953年,1953年10月11日由其妻洛里奥主奏钢琴而首演。此曲可视为春天午夜至中午的交响诗,由梅西安采集到的38种鸟鸣歌调构成。作品按时间可分为:1.午夜;2.凌晨4点,鸟儿醒来;3.日出,晨歌;4.中午,大休止。其中第三部分钢琴最后的华彩连续了17种鸟鸣歌调,而第二部分鸟儿醒来时有12种鸟鸣歌调汇集在一起,形成高潮。
(林逸聪编撰:《音乐圣经(增订本)》,华夏出版社)


DG:Pierre Boulez -《梅西安:献给Mi的诗,百鸟苏醒,俳句7首》(Messiaen: Poemes pour Mi,etc.) Pollet,Aimard,Jones Cleveland Orchestra [APE]

专辑英文名: Messiaen: Poemes pour Mi,etc.
专辑中文名: 梅西安:献给Mi的诗,百鸟苏醒,俳句7首
指挥家: Pierre Boulez,布列兹
版本: Pollet,Aimard,Jones Cleveland Orchestra DG
发行时间: 1997年
地区: 法国
语言: 法语
资源格式: APE
http://www.ed2000.com/ShowFile/32862.html

梅西安为钢琴和乐队而作的《百鸟苏醒》(Reveil des oiseaux),副标题为《春》,献给鸟类学家图拉曼与妻子洛里奥(Loriod),作于1953年,1953年10月11日由其妻洛里奥主奏钢琴而首演。此曲可视为春天午夜至中午的交响诗,由梅西安采集到的38种鸟鸣歌调构成。作品按时间可分为:1.午夜;2.凌晨4点,鸟儿醒来;3.日出,晨歌;4.中午,大休止。其中第三部分钢琴最后的华彩连续了17种鸟鸣歌调,而第二部分鸟儿醒来时有12种鸟鸣歌调汇集在一起,形成高潮。
梅西安为钢琴和乐队而作的《俳句7首》(7 Hai-Kai),作于1963年。
(林逸聪编撰:《音乐圣经(增订本)》,华夏出版社)
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 楼主| 发表于 2016-12-7 15:08 | 显示全部楼层
DG:Various Artists -《梅西安:星空下的峡谷》(Messiaenes canyons aux étoiles...)[APE]

专辑英文名: Messiaenes canyons aux étoiles...
专辑中文名: 梅西安:星空下的峡谷
作曲: Oliver Messiaen (1908-1992)
演奏: Orchestre Philharmonique de Radio France,Myung-Whun Chung,Roger Muraro,Jean-Jacques Justafré,Francis Petit,Renaud Muzzolini
类型: 交响曲
地区: 德国
语言: 法语
资源格式: APE
http://www.ed2000.com/ShowFile.asp?FileID=171027

梅西安为钢琴、圆号和乐队而作的作品,创作于1970-1974年。这部作品也属于梅西安三大类型题材的作品之中描写自然的作品(另外两大题材是宗教和爱情)。

对宗教题材的巨大热情曾在西方现代文化中带起一股不小的热情。如果纵观梅西安一生的经历,就可以理解梅西安所有的音乐主题——宗教、大自然与爱情——从何而来。
梅西安为诗人塞西尔•索瓦日(Cécile Sauvage)之子,出生在法国阿维尼翁(Avignon), 在笃信天主教家庭出生的梅西安是一位虔诚的教徒。
梅西安是从德彪西的印象主义基础上起步的,他11岁就被父母送进巴黎音乐学院深造,当时德彪西刚刚去世。他崇拜德彪西,从歌剧《佩利亚斯与梅丽桑德》始,由此有一个较高的境界。《佩利亚斯与梅丽桑德》是以吕利的法国音乐传统嫁接梅特林克的神秘主义的结果。毕业前,1928年他20岁时所作的《圣餐》,篇幅仅6分钟,是管风琴所表现的,一种越来越要向幽深的境界飘去的沉思默想。
1930年,他毕业时作成以弦乐表现为主的管弦乐《被遗忘的祭品》,主题还是对圣餐的默想,篇幅变成12分钟,分为“十字架”、“罪恶”与“圣餐”三乐章,中间的“罪恶”表现灵魂坠入深渊,有一种不成熟的冲突,但结尾“圣餐”中的感恩却更显博大。同年,他担任巴黎三一教堂的管风琴师,任职达40年之久。

梅西安受象征主义美学影响,又有崇拜耶稣的宗教狂热,许多创作贯穿了神学思想。他讴歌大自然,因为这是造物主恩赐的杰作。他对自然界的反映,最终通过他长期对世界各地的鸟鸣研究和音乐化的再现来达到。其独特的鸟鸣在他的音乐中反复出现,不仅作为他音乐中的一个特征符号——象征大自然,更抒发了某种神秘意味的感恩之情。
梅西安被认为是第一首全面控制的音乐作品的作者。他的音乐技法与配器融合了神秘主义与实验精神,影响了西方现代主义音乐的思潮。我国的著名青年作曲家陈其钢就是梅西安的关门弟子,他可谓学到了梅的真传。


Messiaen 梅西安 -《二十次凝视圣婴》(Vingt Regards sur l'Enfant Jesus)[APE]
作曲:Olivier Messiaen
钢琴:Roger Muraro
录音:Décembre 1998, auditorium du conservatoire national de Genevilliers
发行: 1999年
地区: 法国
资源格式: APE
http://www.ed2000.com/ShowFile/221100.html

梅西安自始至终信奉天主教,一生都持续着以宗教为题材的创作。自1931年起,他就在巴黎圣三一教堂任管风琴师,55年从未间断过,并创作了大量宗教性的管风琴作品。
《对圣婴一耶稣的二十凝视》(Vingt Regards sur l'Enfant—J6sus,以下简称《二十凝视》)则是他最重要的宗教题材的钢琴独奏作品。这部作品创作于1944年,由二十个乐章组成,是梅西安诸多表达宗教意念的代表作之一。它们是壮丽的、形式新奇的乐章,具有富于表情的旋律、大胆的和声、丰富的音色、节奏的对比以及技巧性的钢琴织体。二十个乐章变化幅度很大,它们的长度从第19小节(第一乐章)到第232小节(第十乐章),演奏时间约从2分32秒(第八乐章)到14分56秒(第二十乐章)。不等。
在我国近来重大的钢琴赛事中,越来越多的参赛选手选择梅西安的钢琴独奏作品《二十凝视》。例如在2003年举办的第二届上海国际钢琴比赛中,这首作品就被列为复赛曲目。
这首作品开始为越来越多的钢琴家、演奏者所关注,专题讲座及专场音乐会对该曲目的涉及也越来越多。从演奏技巧、作曲技术等方面,该作品都可以称得上是20世纪最精彩的钢琴独奏作品之一。


DG: Messiaen -梅西安:<时间色彩> <空中城市> <我信肉身之复活> Messiaen: Chronochromie; La Ville d'en haut, & Et exspecto resurrectionem mortuorum [APE]

作曲: Olivier Messiaen
指挥: Pierre Boulez 布列兹
演奏: Cleveland Orchestra 克利夫兰爱乐
发行时间: 1995年
地区: 德国
语言: 英语
资源格式: APE
http://www.ed2000.com/ShowFile/140508.html

本片的演绎精致、细腻,色调与力度变化丰富多彩。它是DG公司4D时代的录音,音场宽阔、细节生动。

梅西安(1908-1992)是20世纪最杰出的作曲家之一,布列兹指挥克利夫兰交响乐团演奏的本片包括:梅西安的三部乐队作品"《时间色彩》(Chronochromie),《我信肉身之复活》(Et exspecto resurrectionem mortuorum) 与《空中城市》(La ville d'En-haut) 。
比埃尔.布列兹1925年出生在法国的蒙特布里松(Montbrison),他是著名的序列音乐作曲家与杰出的指挥家。他先于里昂学习数学,后来进入巴黎音乐学院。梅西安与奥涅格的妻子是他的作曲导师,因此,其创作与艺术风格深受梅西安的影响。作为指挥家,他在20世纪50年代后期以后,几乎和世界上所有最优秀的乐团进行过成功的合作。他最擅长的是第二维也纳乐派、德彪西、马勒、斯特拉文斯基、巴托克、当然还有梅西安的作品。

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 楼主| 发表于 2016-12-7 15:22 | 显示全部楼层
本帖最后由 jimguo 于 2016-12-7 15:23 编辑

韦伯恩作品全集

DG: Pierre Boulez 布列兹指挥 -《韦伯恩作品全集》Anton Webern Complete Works (6CD) [FLAC] 1.19 GB

专辑英文名: Anton Webern Complete Works
专辑中文名: 韦伯恩作品全集
指挥: Pierre Boulez 布列兹
演出:Oelze, Pollet, Schneider, McCormick, Finley, Aimard, Cascioli, Maisenberg, Zimerman, Kremer, Hagen, BBC Singers, Emerson String Quartet, Ensemble Intercontemporain, Berliner Philharmoniker
CD编号:DG 457 637-2
发行: 2000年
地区: 德国
语言: 德语
资源:APE, 6CD,  1.19 GB
http://www.ed2000.com/ShowFile/58237.html

安东.韦伯恩Anton Webern (1883-1945)贝尔格代表勋伯格学说中潜在的浪漫主义因素,勋伯格的另一名高足安东.韦伯恩(1883一1945)则代表潜在的古典主义因素不含浪漫主义的无调性。韦伯恩不写歌剧,也从不用念唱的手法。

战前的格言风格 (1908-1914)
Webern战前一连串精致的杰作在音乐史上有着独特的地位,每个如宝石般的作品制造出前所未有的音响效果,纯粹抒情性的亲密表情,创造出暗示与陈述兼具,音响与寂静共构的音像,他的创作的主导原则是简约凝炼如格言警语。

Webern的配器极为出色, 且强烈倾向於勛柏格的音色旋律Klangfarbenmelodie的观念,一条旋律线可以同时分配给不同乐器承担,近似中世纪的分解旋律(hocket),有时不过一二个音、难得有四五个音连续用同一种音色响出。结果得到一个全部由或明或暗的音响闪忽交融成独特的、色彩平衡的织体。
韦伯恩的音乐中常见拨奏、泛音、震奏、加弱音器之类的特殊效果。他对色彩和清晰度的敏感使他选用不寻常的组合,如小提琴、单簧管、次中音萨克斯管和钢琴的四重奏Op.22, 或为女高音、单簧管和吉他写的歌3首0p.18。
採用如此凝炼的风格写作的乐曲自然不会是长篇大论的,虽然也不都像弦乐四重奏《小曲六首》Op. 9或《乐队曲五首》Op.10(二曲都作於1913年)那么短, ;四重奏的乐章平均只有36秒鐘,Op. 10每个乐章只有48秒,其中第五首只有19秒。但是,即使小型作品如交响曲(1928)和弦乐四重奏(1938),全长也不过八九分鐘,其语言可谓浓缩精炼到了极点。浓缩、加上不熟悉,这便要求听眾异常集中注意力。勛柏格称之为 “只用一个动作表现出小说,一个呼吸显露欢乐” ‘to express a novel in a single gesture, a joy in a breath’. .彷彿来自外太空或另一个世界,就不协和(由於巧妙地运用对比音色而大大缓和了不协和的感觉)与和声複杂性而言,韦伯恩的音乐要比勋伯格、贝尔格及其他许多20世纪作曲家容易听得多。

韦伯恩的发展过程和勋伯格一样,经历了晚期浪漫派的过度半音变化体係、自由无调性和按音列组织等三个阶段,
相较於后浪漫主义的冗长巨构, 韦伯恩则探测另一种不同的世界──这是「微观宇宙」的世界,而非「宏观宇宙」的世界。在这个世界裏,满是纤细、瞬间即逝、点描式的声音,寂静、新颖的音调关係,雋永的精义,以及发散幽光的管弦谱配法。他在1908年到1909年之间完成的《史提芬.乔治》歌曲、弦乐团五乐章、为管弦乐团作的六首小曲中,着重於零散 的小片段、乐句和细节,而非主旋律。他构思出一套创造总谱的新方法,几乎是以不同的乐器处理每一音符,色调时有变换。韦伯恩的新观念渊源於勋柏格,后者早先就谈过「音调色彩的旋律」或「染音曲调」。魏本的音乐日趋精简雋永。他在1914年到1917年间所完成的歌曲集「把一丝不苟的对位法同化为基本的连贯形式」(皮埃尔.布列兹言),预示音列系统的到来,布列兹认为韦伯恩营造了另一新层次一──声音空间。「韦伯恩观点的急进、感情的革新,都堪称前无古人。」
Webern的作品精简且数量不多, 全集的长度往往不如马勒一首作品。他的成就虽在生前几乎没有知音,第二次世界大战以后却日益得到人们的赏识。他的音乐推动了意大利、德国、法国和美国的重大新发展。
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 楼主| 发表于 2016-12-7 15:34 | 显示全部楼层
DG:Luciano Berio 贝里奥作曲指挥 -《交响曲/Ekphrasis》(Sinfonia/Ekphrasis ) Goteborgs Symfoniker,Eotvos (分轨) [APE]

作曲指挥家: Luciano Berio
发行时间: 2005年
地区: 意大利
语言: 意大利语
资源格式: APE
http://www.ed2000.com/ShowFile/57737.html

贝里奥是继韦伯思之后,西方五六十年代先锋派音乐家中具有代表性意义的杰出人物之一。由于他在现代音乐创作、指挥、教学、评沦和为全面推进现代音乐发展中所取得的巨大成绩,使他赢得了广泛的国际声誉和稳固的历史地位。

在贝里奥的创作中,迄今为止最有影响,最能体现其艺术雄心、创作风格和成功高度的,就是这部创作于1968-1969年间的《交响曲》。它是受委托为纽约爱乐乐团创建125周年纪念面作,献给美国当代著名作曲家、纽约爱乐乐团的“桂冠”指挥伦纳德·伯恩斯坦。
作品在1968年10月10日,由贝里奥亲自指挥纽约爱乐乐团首演时,只有前四个乐章。翌年8月,贝里奥加写了现在的第五乐章。虽然各乐章“所表现的性格不完全相同。但总的来说,它们被类似的和声与发声特点统一起来”。加之各乐章在材科、速度、性格等诸方面的相互照应,全曲五个乐章亦呈“ABCBA”式拱形对称结构。
在音乐方面,第三乐章除了始终贯串演奏马勒《第二交响曲》第三乐章中的三个主题及其变形外,还像历史巡览一样,自由而随意地引用了巴赫、贝多芬、柏辽兹、勃拉姆斯、德彪西、拉威尔、R·斯特劳斯、瓦格纳、勋伯格、贝尔格、斯特拉文斯基、艾夫斯、兴德米特、布列兹、施托支豪森、格洛博卡、普瑟尔等作曲家的炸品。用得较多的,是拉威尔的《圆舞曲》和《达芙尼斯与克洛埃》、德彪西的《大海》、R·斯特劳斯的歌剧《玫瑰骑士》中的《圆舞曲》、斯特拉文斯基的舞剧《春之祭》、勋伯格的《五首管弦乐曲》(Op.16)。正如作曲家自己听说的那样,第三乐章“与其说是创作而成,不如说是用他人的材料拼贴而成。”这一乐章由此成为以贝里奥为代表的“镶嵌组合音乐”的典型。

作为60年代“新浪漫主义”音乐的代表作,《交响曲》复兴了上世纪末以瓦格纳为代表的晚期浪漫主义的某些写作传统,使用了带有人声的大型混合管弦乐队。作品的演出需要8位歌唱家和多达81位的演奏员。按合唱方式构成的8个独唱声部,由法国著名的“斯文格尔歌唱小组”(Swing Singers)担任。在四管编制的乐队中,包括了竖琴、钢琴、电声管风琴、电声古钢琴,以及由三个人演奏的27件(套)各类打击乐器。按照贝里奥的习惯,第一小提琴声部被分为A、B、C三组,其中的C组被指定放在舞台的最后。
综观全曲可见,这部巨著是由多种材料,多种声源、多种音色、多种思想内涵,做镶嵌拼贴、交织融汇而成的—个复杂有机体。正如贝里奥自己所言:“它是一部包含了过去与现在、声乐与器乐、通俗和严肃音乐等各种风格的大汇编。”作品的创作动意、形式特征以及思思内蕴,尤其是关于贝里奥广收博采的艺术风格,都由作曲家为之苦心选择的标题——“Sinfonia”高度准确地概括了出来。
(文/彭志敏 摘自《现代音乐欣赏词典》)

贝里奥的创作,遍及音乐形式中的各主要品种,其中包括组合形式丰富多样的室内音乐与乐队音乐;为不同乐器和人声所写的独奏、独唱音乐;为各种发声媒体混成而作的合奏、合唱音乐;具有综合性意义的舞台、戏剧音乐;运用时代科技制作的电声、磁带音乐等等。他崇尚并能广泛而熟练地运用现代音乐诸创作技巧,因此,在他的作品中,序列音乐、偶然音乐、具体音乐、空间音乐、电子音乐、镶嵌组合音乐以及新人声音乐等战后新兴的各主要流派的风格技法,都能广为见到。从某种意义上说、贝里奥的创作,是一部关于现代音乐的“小百科全书”。
在探索新的音响、音色、音源方面、特别是在开掘传统发声媒体潜在表现力或极端表演技巧方面贝里奥具有突出而持久的兴趣。其中关于人声技术的系列作品和系统化成果,更使他的创作能够在五色纷呈的现代音乐中显得卓尔不群,别具一格。正因于此,贝里奥的创作还广泛地从文学、诗歌、小说、戏剧等姊妹艺术的现代派作品中取材,不仅从中获得表现的意象,更重要的是从中提取作为音源的语音素材,寻找音乐结构的形式依据。
总之,贝里奥的音乐是复合而不是复杂的,是自由而不是混乱的,是方法多样而又类型集中的。虽然他的作品具有那一时代所共有的“世界主义”倾向,但始终都有意大利音乐特有那种抒情性和戏剧性。要了解战后台乐,贝里奥当是一个重大而不可回避的课题。
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 楼主| 发表于 2016-12-17 14:50 | 显示全部楼层
本帖最后由 jimguo 于 2016-12-17 14:51 编辑

埃里克.萨蒂 Erik Satie (1866-1925)


法国作曲家萨蒂是一位玩世不恭的音乐怪杰。其音乐观点对现代音乐有举足轻重的影响,是新古典主义乐派的先驱。

萨蒂最大的特点就是,写出来的曲子画面感极强。一方面归功于他画画不错,一搜一麻袋,可以做个表情包了,另一方面,他有个画家老婆。萨蒂活着的时候是啥都没,死了之后,是啥都有。都是玩印象派的,像极梵高。谈萨蒂,肯定会谈到德彪西。就和说道梵高,不得不说到莫奈一样。
萨蒂的东西总带有很强的神秘主义和宗教色彩。想想,那个年代流行啥,弗洛伊德的精神分析学刚刚开始,荣格也就比萨蒂小10岁。可能也是大势所趋,那个年头的人都有点神神叨叨。比如《玄秘曲》,就是给恐怖片、悬疑片、惊悚片当BGM的不二之选。

他虽然未采用巴洛克的风格写作,但以率直质朴的音乐风格著称。萨蒂反对浪漫主义,也反对印象主义。他对 19 世纪末一直延续到第一次世界大战之际的后期浪漫主义及表现主义的夸张形式十分反感,说“ 不是出自真诚的音符 , 我一个也不写 !”这种简约主义的风格确实为新古典主义乐派奠定了基础。
他还认为德彪西的音乐是近视眼中看到的景象,是粉饰太平的海市屋楼,同时他也不喜欢德彪西那种过于华丽繁复精细的音乐语言,而提倡简单自然、朴实无华的表达。萨蒂喜欢表现怪诞的形象和狂悖的思想。
凡是弹奏过他的作品的人,都知道他爱给作品演奏方式标注一些古怪的指引。那些指引是作曲家专门为弹奏他作品的人写的:“给某某。我禁止任何人在弹奏作品的时候大声读出这些文字。无论谁斗胆违反我的指引都将引起我的愤慨。谁也不能例外。”

他的全部创中,钢琴作品所占的比例最高,并多为小品。
在萨蒂的钢琴音乐中既没有庞大的气势,也没有浓重的激情,只有简洁而平静的“白话”,然而他的钢琴作品却常冠以奇特或有讽刺意味的标题,如《几百年和一刹那》、《中午的晨曦》、《脱水后的胎儿》、《害牙疼的猫头鹰》等等。他那玩世不恭、辛辣怪诞的作风恰恰与印象主义的艺术风格大相径庭。萨蒂最具代表性的钢琴曲《3首梨形小品》就是为了答复德彪西那句 “萨蒂的音乐缺乏形式” 的批评而作的。意即他的作品形式就是梨形。《3首吉姆诺培迪》也是萨蒂的代表佳作。乐曲由单纯的旋律构成逐次反复的乐节,而在低声部支持旋律的仅为一些简单的节奏和单一的调式化和弦。整首曲子的音乐进行纯朴明净、色彩淡雅、毫无虚饰。
约1910年起,有些青年作曲家受他作品离奇而幽默的曲名诸如《Trois - Morceaux En forme de poire 梨形曲三段》的吸引,几乎将他作为崇拜的对象,以 Le Six 六人团闻名于世的一组青年作曲家即受其强烈的影响。萨蒂对法国六人团有着直接的影响。六人团中的普朗克(1899-1963)对钢琴音乐的贡献最大,一生写下数十首钢琴曲,大部分为名符其实的即兴小品。还有双钢琴的奏鸣曲与双钢琴协奏曲,以及《钢琴协奏曲》、《主题与变奏曲》等。普朗克深受拉威尔和萨蒂的影响。纯朴明晰和幽默讽刺兼而有之。他早期追摹法国古键盘音乐风格并赋予其新意,旋律自然流畅和声抚媚动听。
1915年与科克托的会面,导致贾吉列夫俄罗斯芭蕾舞团《Parade 游行》(1917)一剧的问世,其中采用爵士乐节奏,并在配器中运用打字机、轮船汽笛和警报器的声响。后又与超现实主义和达达主义者交往。

今日的我们,可能已经习惯在电影中随着各种象征手法、享受情节发展所带来的刺激,可在19世纪晚期,这些东西还是实验性的或者是最新潮的。绘画艺术中首次出现的印象派一下子拉动了各个艺术种类对这一创作理念的追随,艺术家再也不能满足传统的幻想载体,新的象征随着幻想的深入而层出不穷。所谓深入,便是这种幻想对人类本能感受的更细微的关注,它探寻着幻想在成型过程中每一个发展的瞬间,它无法再压抑于古典格式之下,而是要求艺术家以一个新的格式来为这些细节的迷人之处服务。
一个人在后人的嘴里被提及肯定是由于他有相对被提及年代的或好或坏的典范之作,但显然萨蒂所为不是大众可理解的,且他的这一类不被理解似乎不受时代影响,于是萨蒂就永远成为了小范围内被追捧的尴尬高人。他做了什么让人无法接近的事情吗?这样说吧,萨蒂的音乐可给人以极大幻想的空间,但若要让听者的思绪走向萨蒂自己的空间却很难,只有当人们读到了谱子上那些似乎是说明性的文字时才算对他给予作品的标题略感亲切,否则十个人听到的萨蒂很可能便是十个人自己的空间,几乎不会与萨蒂的空间有所重迭。而如果这件事情发生在莫扎特或贝多芬的作品身上,那么人们会把这种现象描述成通达了音乐之美所造就的多样理解。但看着萨蒂写在自己乐谱上的那些文字,你却觉得这应该只是在描述他个人的幻想罢了。于是你就觉得既然猜不到音乐指向的是怎样的具体之物,那么这个人的音乐尽管偶尔展现出如《裸体歌舞》那般奇幻的空灵美音,但总体来讲实在是封闭难懂的。
萨蒂的确是这一潮流中的人物,但却又不止是身在其中那么简单,我个人认为他几乎是一个领导者。由于他对古希腊旋律及格列高利圣咏的迷恋,使得无论是早期成功的钢琴独奏作品还是后来看似于此无关的其它类型的作品,这种相对西方而神秘的调子一直在它们之中浮现着。但同时你又不得不说他很时髦,当时流行于巴黎夜总会中的流行旋律有很多都被揉进了他的作品中,于是古老和年轻的声音融和出了一种新的神秘色彩。这种做法虽非原创,但显然在新旧结合的素材选用上,他远比之前的人要大胆及迷人,他的手法也非单纯的罗列而是将两者用有机的技法结合来发声。但当萨蒂将自己对这些生活中汲取的旋律经验总结成一套独有的创作技法时,他旋律中兼有虔诚(但听上去的确会让人觉得单调)的重复和调皮的舞蹈节奏便让人摸不清他的音乐入口在哪里了。而为了了解这些你就必须要走进一个让你觉得混乱的领域,我叫它“未分化的创作冲动”。
所谓“未分化”是指艺术形象在脑中不是由一个主要感官来塑造的,它不是很准确或者说是很独占地由一种艺术模式来表达。它的由模糊意识到对外讲述的过程不是单纯地镶嵌于听觉、视觉及触觉中,而是两者或多者同时出现,所以无论是传统意义上的音乐还是绘画甚至舞台表演,都不能以其单独的出现来表述这种“未分化”的创作冲动。根据一些科学研究发现,视觉、听觉、嗅觉等在脑中有着不同的官能区域,且这些区域在婴儿出生的时候是未被分化的,大部分人在后天的基本识别训练中可以将这些官能区域很好地区分开来,也即能够清楚地认识颜色和声音。但是这种区分在正常的社会生理标准上来讲是件好事(“社会生理标准”这个词是我个人的叫法,是指在社会普遍认可的范围内进行沟通的生理识别标准),但这却并非是艺术家的标准。通过科学家的研究发现,大部分艺术家脑中的官能区域都是混杂的,是分化程度较低的,这样就使得他们经常出现通过声音看到色彩的幻境,而且十分真实,这便像是语文修辞中的“通感”手法。对于西方古典音乐,这种艺术家的天份在古典乐派中造就了单纯用音乐可能形成的最美丽的联想。但到了萨蒂这里,那些产生联想的原始冲动便不再只依附于一种感官之上了,就如上面提到对本能感受的更细微的关注那样,“未分化”的创作冲动不再羞涩地藏在作品之后,而是慢慢地转身成了一种主要指向,使得作品一直处于灵感最原始的氛围之中。这样的萨蒂便出现了我们所听到的神秘曲调、看到的离奇乐谱和不知是描述自己创作灵感还是描述演奏要领的文字。

Satie 是简约主义(minimalism)的先驱。他自创出一种实验音乐,他称之为“家具音乐”(furniture music),不是让你很专心地听,而是当作背景音乐。他还创作出旋律相似、分成几部分的曲子,用于从不同的角度去聆听。他的很多作品都受到中世纪音乐和法国作曲家的影响。
他最著名的作品包括:宁静安详的《Gymnopédies》(“裸体歌舞”,三首相似的钢琴曲)、神秘的《Vexations》(要求重复840次的短钢琴曲)、广受欢迎的《Trois Morceaux en forme de Poire》(钢琴二重奏)、芭蕾舞曲《Parade》(起用了一些很古怪的乐器)、和芭蕾舞曲《Relache》(配上一系列电影镜头)。


Decca: Pascal Roge -《萨蒂: 三首裸男歌舞,及六首玄秘曲等》(Satie: 3 Gymnopedies and Other Piano Works)[APE]

作曲:Erik Satie
独奏:Pascal Rogé
录音日期:May 1983
发行公司:Decca
CD编号:410 220-2
发行时间: 1984年
地区: 英国
语言: 英语
资源格式: APE
http://www.ed2000.com/ShowFile/162304.html
Erik Satie 埃里克·萨蒂(Eric Alfred Leslie 埃里克·阿尔弗雷德·莱斯利,1866年生于翁弗勒尔,1925年卒于巴黎),法国作曲家、钢琴家。1888年完成其钢琴曲《Gymnopédies 裸体歌舞》。1891年参加天主教的玄宗教派,并为该教派创作数首乐曲。此后不久对作曲似乎已感厌倦,随后12年写成的作品不到10首。

帕斯卡·罗热(Pascal Roge,1951生),法国钢琴家,是诠释普朗克作品的权威之一。
帕斯卡·罗热出生于音乐世家,是法国音乐专家,被誉为“法国音乐大使”,尤为擅长演绎德彪西、拉威尔、圣桑、普朗克、弗雷等作曲家的作品。罗热认为,法国音乐的特点在于细腻微妙、精炼、优雅。一些俄罗斯及德国作曲家如瓦格纳创作的长达三四小时的巨作,其意境德彪西可能用短短两秒钟、靠两个小节就能达到。罗热的演奏触键精致细腻,声音清澈透亮,在表现法国印象派作品时,其轻灵雅致、朦胧与虚幻的意境极为迷人。感觉比其他人的Satie更有灵性。


KML: Katia et Marielle Labèque -《埃里克.萨迪》(Erik Satie)[FLAC]

发行厂牌:KML recordings
钢琴演奏:Katia & Marielle
发行时间: 2009年
地区: 法国
资源格式: FLAC
http://www.ed2000.com/ShowFile/296095.html
Katia & Marielle从小生活在法国、西班牙交界的巴斯克小城阿尔隆,姐姐比妹妹大2岁,母亲是巴斯克人,琴艺不俗,是她们音乐的启蒙人。1964年,姐妹俩考入巴黎音乐学院钢琴班,1967年毕业时,作曲家、该学院教授梅西安提携她们录制其双钢琴作品“阿门的幻想”,并一炮走红。飞利浦公司于81年录制的“蓝色狂想曲”,姐妹俩用爵士蓝调风格演奏,突破常规,别具一格。Katia & Marielle演奏曲目甚广,涉及巴赫、莫扎特、舒伯特、勃拉姆斯、门德尔松、德沃夏克、拉赫、斯特拉文斯基、伯恩斯坦的双钢琴作品。


EMI: Various Artist -《萨蒂作品精选》(Best of Satie)[APE]

专辑英文名: Best of Satie
专辑中文名: 萨蒂作品精选
唱片公司:EMI (France)
唱片编号:7243 8 26671 2 4
发行时间: 2002年
资源格式: APE
http://www.ed2000.com/ShowFile.asp?FileID=137045
钢琴:Aldo Ciccolini (1-3, 5-11, 13, 17-29)
女高音:Mady Mesplé (22, 26)
男高音:Nicolai Gedda (17)
男中音:Gabriel Bacquier (13)
吉他:Pierre Laniau (14-16)
小提琴:Yan-Pascal Tortelier (23-25)
指挥:Michel Plasson (4, 12), Aldo Ciccolini (30), Louis Auriacombe (31)
乐队:Orchestre du Capitole de Toulouse (4, 12), Orchestre de l’Association des Concerts Lamoureux (30), Orchestre de la Société des Concerts du Conservatoire (31)

或许人们至今也没有形成一种习惯,或者像是对待一个缔造经典之人那样反复演奏他的作品全集,或者像是描述一个曾经的酒吧音乐创作人那样把他与某一个时代的幻色巴黎共同描述。可是人们这种本是由忽略而生的不予归类却无意间把最准确的萨蒂给描述了,因为他的确就是那个没有类别的异类,如果今天有谁把萨蒂归为某一音乐流派,那么他就只能说这是萨蒂派。但当你了解了萨蒂的一生后,你又很难说他只是一个音乐角色,他甚至还可以是一个画家、作家甚至把他的种种怪癖描述为今日的行为艺术。
以往在CD堆里翻到的几张萨蒂作品都是钢琴选曲,再多些的就是那套5CD装的Aldo Ciccolini演奏的萨蒂钢琴作品全集,很少有收录他的管弦乐及声乐作品的CD。这张名为《Best of Satie》的出现在很大程度上填补了对萨蒂欣赏的空白,其中有为小提琴与钢琴而作的《左右观之物(不用眼镜)》(Choses vues à droite et à gauche (sans lunettes))、歌曲《我要你》(Je te veux)、独幕芭蕾舞剧《游行》(Parade)等。可能聆听经验中新增加的这几首不同曲式的作品不足以让我更全面地了解萨蒂,但在这个CD资源匮乏的情势下这张CD已经帮了我的大忙了。其实萨蒂已发表的作品已有大部分被演奏并形成录音,而且他的一些书画作品也已出版,只不过数量稀少而国内就更难找到这些出版物(更别提中译本)。另外根据现在的统计,萨蒂尚有几十首未发表的作品,而由于他生前的生活就很隐秘,他的遗物中还有多少未被发掘的小作品就更不得而知了。


EMI: Aldo Ciccolini 阿尔多.奇科利尼 & Erik Satie 埃里克.萨蒂 -《萨蒂钢琴曲全集》(Satie L'oeuvre pour piano)[APE]5CD,960MB

作曲:Erik Satie  萨蒂
演奏:Aldo Ciccolini 奇科利尼
唱片编号:EMI 574534
发行时间: 2001年
地区: 法国
资源格式: APE,5CD,960MB
http://www.ed2000.com/ShowFile/478033.html
法国钢琴家奇科利尼。除了莫扎特、贝多芬、肖邦、李斯特这类的古典大家,Ciccolini特别钟情演奏法国作曲家的作品。其实想想,那个年代的法国作曲家,除了德彪西,基本都是非主流。
萨蒂,最大的特点就是写出来的曲子画面感极强。一方面归功于他画画不错,一搜一麻袋,可以做个表情包了,另一方面,他有个画家老婆。大家能听到最多的萨蒂,应该就是《裸祭歌舞》第一首了,长出没在各大广播电台的深夜档,而且听到的版本中99%应该是Ciccolini演奏的,原因很简单,弹得好的人觉得太没难度,都去李斯特了,弹得烂的人又弹不出感觉。毕竟,萨蒂的曲子都很短,但想法还是很复杂的。我没观赏过裸舞,也没没见过牙疼还在唱歌的鸟,更没注意过鸟有牙齿。
其实,萨蒂的东西总带有很强的神秘主义和宗教色彩。想想,那个年代流行啥,弗洛伊德的精神分析学刚刚开始,荣格也就比萨蒂小10岁。可能也是大势所趋,那个年头的人都有点神神叨叨。比如《玄秘曲》,就是给恐怖片、悬疑片、惊悚片当BGM的不二之选。
写在最后,本张专辑大部分曲子让人听着很舒畅,但是还是有一些曲子听着很扭拧,甚至一些,像是你们家熊孩子砸键盘砸出来的。不得不再次感叹,他写的曲子,就和梵高画的画一样。


Decca: Erik Satie -《埃里克.萨蒂钢琴独奏作品全集》(Erik Satie The Complete Solo Piano Music)Jean-Yves Thibaudet[BOX SET][5CD]760MB[APE]

作曲家: Erik Satie
钢琴演奏: Jean-Yves Thibaudet
发行公司: Decca
发行时间: 2003年06月10日
资源格式: APE,5CD,760MB
http://www.ed2000.com/ShowFile/111958.html
兼具法国与德国血统的提鲍德出生於法国里昂,Jean-yves Thibaudet被誉为「当世最令人兴奋的天才之一」。钢琴家提鲍德以其雄辩式的分句、光辉的色彩,与灿烂的技巧而闻名於世。而师法其诗意詮释的演奏家更遍及美国、加拿大、欧洲、澳洲与远东。他的老师狄斯卡维斯(Lucette Descaves)与拉威尔过从甚密。十二岁时提鲍德进入巴黎音乐院学习,十五岁获得第一名成绩。同时也与西可里尼(Aldo Ciccolini)学习。西可里尼在音乐上对他的影响甚深,也是他最大的支持者。三年后的1981年,赢得了青年音乐演奏家奖。
身为已出版过二十餘张专集的DECCA专属艺人,提鲍德的首张专集便是具里程碑意义的《拉威尔钢琴作品全集》(CD 433 515-2)。这张专集除了获得葛莱美奖的提名,亦赢得了德国「唱片大奖」的肯定。
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 楼主| 发表于 2016-12-17 21:36 | 显示全部楼层
本帖最后由 jimguo 于 2016-12-17 21:37 编辑

希拉蕊.哈恩 HILARY HAHN 当代小提琴家


希拉蕊.哈恩,是当今美国乐坛最闪耀的古典巨星。虽然只有22岁,神童小提琴家希拉蕊·韩如今已经几乎要将所有历史上重要的小提琴协奏曲灌录完了。她1980年出生於美国弗吉尼亚。聪明绝顶,迄今为止拉遍4大小协,帕格尼尼第1小协,10大小协全拉遍。远自巴赫海顿贝多芬莫扎特,近到作曲家专门为她写的现代小协演绎成熟,全出了录音。这样的天才举世罕见。有艺术家赞誉她为百年罕见的天才小提琴家。

希拉蕊.哈恩用的小提琴和许多名家使用斯特拉第瓦里的名琴不同,她用的是维隆(Vuillaume)於1864年依照瓜奈里(Guaneri)名琴「加农砲」所造的复制琴。「加农砲」是历史名琴,造于一七四三年,在音乐史上因为帕格尼尼持有过而闻名。之所以名为加农砲,是因为此琴音量和力道都跟大砲一样。
此琴是被帕格尼尼拉奏后才闻名于世的,之前并无人所知。当时帕格尼尼原来持有的是阿玛第(Amati)名琴,却因为他豪赌把琴输掉,一位爱乐者看他无琴可拉,就把一把没人要的瓜奈里琴送他。帕格尼尼爱极这张琴,都称它为「我的加农砲小提琴」,从此加农砲之名不逕而走。帕格尼尼在世时,如果遇此琴需修,都会送到巴黎琴匠维隆那里。维隆多次修复此琴的经验,让他拥有复制此琴的第一手技术,结果他复制出来的加农砲复制琴,连花纹、形状、声音无一不像原琴。连帕格尼尼这位与此琴朝夕相处的名家也分辨不出,后来是在一点音色细节上被帕格尼尼听出破绽,才认出此琴是复制。
由於加农砲是克雷蒙那市的市宝,只借给每两年举办一次的帕格尼尼音乐大赛的得主,不为私人持有,连同这把复制琴也不得为私人持有,所以希拉蕊哈恩能够获克雷蒙那市许可长期演奏此琴,是非常大的肯定。


Sony: Hilary Hahn -《巴博、迈耶小提琴协奏曲》(Barber & Meyer Violin Concertos )[FLAC]

专辑英文名: Barber & Meyer Violin Concertos
专辑中文名: 巴博、迈耶小提琴协奏曲
艺术家: Hilary Hahn
Composer: Samuel Barber, Edgar Meyer
Label: Sony
ASIN: B00004RBXW
发行时间: 2000年03月14日
地区: 美国
语言: 英语
资源格式: FLAC
http://www.ed2000.com/ShowFile/553870.html
跨入二十一世纪,希拉蕊.哈恩的第三张专辑演奏了美国作曲家巴博的小提琴协奏曲,还有现代作曲家迈耶(Edgar Meyer)为二十二岁的她所写的小提琴协奏曲,展现希拉蕊.哈恩对现代美国音乐的精准掌握。从这专辑中,可以清楚领略希拉蕊.哈恩为什么会被时代杂志推崇为「美国最杰出的新生代演奏家」,并同时见识二十四岁以前的希拉蕊.哈恩是何等的光芒万丈!
专辑曲目:
01. Barber - Concerto for violin and orchestra, op.14 (1939); 1. Allegro 10:33
02. Barber - Concerto for violin and orchestra, op.14; 2. Andante 09:07
03. Barber - Concerto for violin and orchestra, op.14; 3. Presto in moto 03:33
04. Meyer, Edgar - Violin Concerto (1999); Movement I 10:24
05. Meyer, Edgar - Violin Concerto (1999); Movement II 16:04


Sony: Hilary Hahn -《希拉蕊·韩:勃拉姆斯与斯特拉文斯基小提琴协奏曲》(Hilary Hahn / Brahms, Stravinsky: Violin Concertos) [wv].iso

作  曲:勃拉姆斯 Johannes Brahms/ 斯特拉文斯基 Igor Stravinsky
指  挥:内维尔·马里纳 Sir Neville Marriner
演  奏:希拉蕊·韩 Hilary Hahn
乐  团:圣马丁室内乐团 The Academy of St. Martin in the Fields
发  行:SONY BMG
发行时间:2001年11月05日
数  量:1CD
http://www.ed2000.com/ShowFile/6505.html
(这个iso是压缩文件)
“她的曲调轻盈甜美,她的演出创新时尚。即使是烂醉如泥,甚或是愤世忌俗的乐评家们,都要融化在她动人的音乐中。这位小提琴天才演奏家,在她如日中天的音乐生涯里,依然循著自己的步伐前进,丝毫不受压力阻扰而有所窒碍。”知名乐评泰瑞·蒂侨特(Terry Teachout)在Time时代杂志中赞扬道:“希拉蕊·韩是当今美国最杰出的新生代古典音乐演奏家!”
经历前几张专辑演奏巴赫、贝多芬与伯恩斯坦等人的作品而声名大噪之后,在一次偶然的机会里,希拉蕊·韩听到了斯特拉文斯基的小提琴协奏曲,不凡的旋律,让她当下便决定要在自己的最新专辑中演奏此曲。再加上她十岁时第一次听到便无法忘怀的勃拉姆斯协奏曲,一张深具挑战,且完美无双的录音作品于焉诞生。这两首协奏曲是勃拉姆斯与斯特拉文斯基于颠峰时期完成的代表作品,希拉蕊·韩说道“我一直梦寐以求,希望能有机会得以演出这么美的不可思议的大师杰作,它融合愉悦却又忧郁的曲调,深深令我着迷。”



Sony: Hilary Hahn -《希拉蕊·韩:门德尔松和萧斯塔科维奇小提琴协奏曲》(Mendelssohn & Shostakovich: Violin Concertos)[APE]&[SACD-r]

  作曲家:Mendelssohn,Shostakovich
  指 挥 家:Hugh Wolff, Marek Janowski
  演 奏 家:Hilary Hahn
  演奏乐团:Oslo Philharmonic Orchestra
  专辑类别:古典音乐1CD
  发行公司:Sony
  发行日期:November 5, 2002
  唱片编号:SK89921
  长  度:63分50秒
资源格式:[APE]
http://www.ed2000.com/ShowFile/24041.html
资源格式:[SACD-r]
http://www.ed2000.com/ShowFile/507545.html
2002年的第五张专辑-门德尔颂与萧斯塔科维奇的小提琴协奏曲再次赢得了葛莱美古典音乐奖。
虽然只有22岁,神童小提琴家希拉蕊·韩如今已经几乎要将所有历史上重要的小提琴协奏曲灌录完了。2002年她更排出了门德尔松和萧斯塔科维奇这两首音乐厅中长青的经典协奏曲。
希拉蕊·韩(Hilary Hahn)在22岁时演奏灌录的这张专辑,包括浪漫主义作曲家门德尔松最广为流传的小提琴协奏曲和20世纪作曲家萧斯塔科维奇的第一小提琴协奏曲。这两首协奏曲在她的演奏曲目中已经有十年以上的时间,她在十一岁就学会门氏的协奏曲,所以心得也最深入。至于萧斯塔科维奇的第一号协奏曲则是她十七岁时自己学会的,她也因此成为是新生代小提琴家首先将此曲纳入演奏曲目中的一位。


James Newton Howard & Hilary Hahn -《灵异村》(The Village) Score配乐版原声[APE]

版本: Score配乐版原声
发行时间: 2004年07月30日
地区: 美国
语言: 英语
资源格式: APE
http://www.ed2000.com/ShowFile/42567.html
此部电影原声带请来以5度荣获奥斯卡最佳电影音乐或歌曲提名,电影配乐界的中生代音乐家James Newton Howard继《灵异第六感》、《惊心动魄》、《灵异象限》后,第四度为奈特沙马兰的影片担任音乐创作,此次并找来新世代古典小提琴个性才女Hilary Hahn担任本片所有主奏的演出。
知名乐评Terry Teachout在Time时代杂志中赞扬道:“Hilary Hahn是当今美国最杰出的新生代古典音乐演奏家!”在二人的相互配合下从人物的感受寻找音乐的切入点,运用小提琴乐器百弦齐发的起伏,外加鼓乐、巴松笛,融汇成如惊弓之鸟般的紧凑悬疑氛围,Newton Howard以提琴乐器作为贯穿影片惊吓效果与命运议题的主要配器,而潺潺的琴音不时点出主角身陷迷离幻境的不安,Newton Howard善长的管弦乐掌握住深沉的惊惧影音气氛,冷不防的击中惊吓的神经;而Hilary Hahn的琴音温暖的呈现出深层的人性情感,随着剧情的推展,同时也逐步推向戏剧的高潮,而整张专辑的铺陈与流畅的旋律拿捏的恰到好处,堪称今年最具音乐质感与流行并重的跨界配乐原声大碟。


DG: Hilary Hahn -《勋伯格、西贝柳斯:小提琴协奏曲》(Schoenberg & Sibelius: Violin Concertos)[APE]

艺术家: Hilary Hahn
协奏:Swedish Radio Symphony Orchestra
指挥:Esa-Pekka Salonen
厂牌:DG
录音:DDD
发行时间: 2008年04月08日
地区: 德国
语言: 英语
资源格式: APE
http://www.ed2000.com/ShowFile/246793.html
阿诺尔德·勋伯格,1874-1951年,美籍奥地利作曲家、音乐教育家和音乐理论家,西方现代主义音乐的代表人物。这首小协是其后期作品,作于1935年至1936年,呈献给韦伯恩,采用十二音技法创作,海菲茨曾经拒绝首演这首小提琴协奏曲。几乎没有人会认为这首小协会是简单轻松的,它棱角分明,怪异的装饰,多处长独奏段落可以说是专为摧残小提琴手创作。这张CD中,Hilary Hahn将其处理得带有浪漫主义遗风,而不像是现代音乐革命之作。


DG: Hilary Hahn -《席格顿、柴科夫斯基小提琴协奏曲》(Higdon & Tchaikovsky Violin Concertos)[DG][WV]

艺术家: Hilary Hahn
版本: [DG]
发行: 2010年
资源格式: WV
http://www.ed2000.com/ShowFile/269893.html
自从希拉里·哈恩签约DG公司后,接连灌录了巴赫、埃尔加、莫扎特的小提琴作品,都获得了很高评价。
这次哈恩给乐迷们带来的是柴可夫斯基小提琴协奏曲,并有一部分是由当代美国作曲家珍妮夫·席格顿的小提琴协奏曲,这可是全球首度灌录的。
这位珍妮夫·席格顿就是哈恩16岁时就读费城柯蒂斯音乐学院其“二十世纪音乐课”的教授。哈恩称这位席格顿教授是当初鼓舞她、激发她的一位好老师。是美国最杰出的作曲家之一。这首献给哈恩的小提琴协奏曲第一乐章以《1726》为名,这正是柯蒂斯音乐学院在费城的街号,十分特别。第二乐章为《夏康舞曲》,这是由多重夏康线条相互交织的复杂篇章!最后乐章以《向前飞》为题,并伴随着哈恩的独奏,再次炫耀她的技巧。最值得一提的是这首小提琴协奏曲是2010年的美国普立兹获奖作品。
这次柴可夫斯基的小提琴协奏曲,除了第二乐章是哈恩采用了柴可夫斯基的原稿外,其他乐章都是用了莱奥波德·奥尔改写过的版本,是这张CD另一个值得一听的地方。
希拉里·哈恩提及到这次为何要把珍妮夫·席格顿和柴可夫斯基的作品放在同一张专辑,是因为席格顿和柴可夫斯基他们的曲目都是全面的、隆重构思过的协奏曲,并且在哈恩就读费城柯蒂斯音乐学院时给予她心灵上的照亮。尽管他们都来至不同的世纪和不同的作曲世界,但是他们都拥有共同的品质:抒情细腻、文雅、狂热以及成熟的精神。
请细致地品尝专辑里的曲目,你会发现哈恩的独奏和协奏乐器像细密对话般。时而浪漫热情、时而心动抒情、时而载歌载舞。这种千丝万缕的互动关系真叫人惊叹!


DG: Hilary Hahn & Hauschka -《史费拉》(Silfra)[FLAC]

史费拉 / 希拉蕊.韩与赫胥卡 Silfra / Hilary Hahn & Hauschka
唱片编号:DG 4790303
发行时间: 2012年05月18日
地区: 美国
语言: 英语
资源格式: FLAC
http://www.ed2000.com/ShowFile/561266.html
★最美的音乐从即兴灵感诞生
☆小提琴与置钢琴的感性互动
美国著名古典小提琴家希拉蕊.韩,加上德国前卫作曲家与钢琴家赫胥卡将会是什么样的音乐?
史费拉(Silfra)的诞生可以追溯到2008年。
透过美国民歌手汤姆.布罗索(Tom Brosseau)的介绍,希拉蕊.韩与赫胥卡有了第一次接触。几个星期后,赫胥卡与汤姆.布罗索在旧金山演出,希拉蕊.韩在压轴曲目上台与赫胥卡、汤姆.布罗索即兴演奏,产生了合作的念头。
希拉蕊.韩与赫胥卡的合作概念是:在相互尊重的前提下,两名保留自己个性的艺术家一起探索未知的领域与新的共同语言。对于以探索预置钢琴闻名的赫胥卡来说,「即兴」是关键;而对於希拉蕊.韩来说,「即兴」是赋予作品全新詮释的重要途径。
当希拉蕊.韩与赫胥卡踏入位在冰岛雷克雅维克的录音室时,除了〈克拉科夫〉这首创作,两人手上都没有乐谱。赫胥卡事先寄给希拉蕊.韩的也只是充做即兴灵感来源的单纯钢琴旋律。这也是整张专辑里,唯一使用预置钢琴的作品。
专辑名称的「史费拉」(Silfra)是位在雷克雅维克附近、北美与欧亚板块交汇地(冰岛语Silfra意即银色的湖),譬喻著希拉蕊.韩与赫胥卡这两名来自不同领域,不同地域艺术家的合作成果。这张专辑不只代表希拉蕊.韩与赫胥卡把两人的音乐经验交融于一体,更代表全新声音的诞生。
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 楼主| 发表于 2017-2-4 13:50 | 显示全部楼层

RCA - SACD - “马勒交响全集 1-10” 戴维.金曼 指挥苏黎世音乐厅管弦乐团 RCA 2008 [SACD ISO, DSD64]34.53 GB


Mahler Symphonies Nos. 1-10
Gustav Mahler Symphonies Nos. 1-10 - David Zinman & Tonhalle Orchestra Zurich 2011 [SACD-R][OF] (ISO)
指挥家: David Zinman 戴维.金曼
风格:古典
录音:RCA 2008
发行:Sony 2011
格式:SACD ISO
采样率:1bitsDSD 2.8224 MHz
声道:2声道、多声道
编码:DSD64
文件大小:34.53 GB
磁力链接:magnet:?xt=urn:btih:f46e1553f7cf54b5076849c9daf89d4001d60428
迅雷连接:thunder://QUFtYWduZXQ6P3h0PXVybjpidGloOmY0NmUxNTUzZjdjZjU0YjUwNzY4NDljOWRhZjg5ZDQwMDFkNjA0MjhaWg==


  - 经过四年排练,David Zinman和苏黎世音乐厅管弦乐团完成了他们受到高度赞誉的古斯塔夫马勒交响曲全集。

  世纪之交的马勒

  马勒的交响乐创作成熟期正值世纪之交,当时的欧洲的哲学以及文艺思潮都笼罩在一片“世纪末情怀”之中,社会价值观和艺术价值观发生了颠覆性的改变,艺术家内心彷徨,开始遁入内省。马勒在1897-1907年间担任维也纳歌剧院艺术总监,他最重要的创作就是在这段时间内完成的。与世纪之交欧洲哲学界的“生命哲学”、“新康德主义”等流派既批判传统哲学又保留传统哲学的余绪一样,马勒的后期浪漫派音乐同样对19世纪浪漫派音乐既突破又保留。例如他吸收了瓦格纳开始实践的半音化和声,但对调性组织的突破保持在底线上游走,并在交响曲中时常祭祀着那源自巴赫的复调织体。这样,我们从他的交响乐作品中听到的是既新颖但又葆有古典美的音响。

  马勒的“精神苦旅”

  综观马勒之前的欧洲交响乐,其内容即便不是被“教父哲学”主宰,也是 “绝对理念”的反映。如果说贝多芬第五交响曲以第三人称的口吻唱出“命运”主题,那么与弗洛伊德的精神分析学说探查人的自身一样,马勒的交响曲以第一人称表达着自己的内心诉求。由于马勒自幼目睹了兄弟姐妹中多人死亡,自己心爱的女儿又夭折,死亡在他的精神上打上了深深的烙印,从而使他对生命有着更多的思考。他将“死亡”这个命题前所未有地引入了交响乐,在他的第一、二、三、六交响曲中,都出现了死亡的主题。他在后期交响乐作品《大地之歌》中反复吟咏“生命是幽暗的,死亡是幽暗的”。在第八交响曲中,马勒力图表达人类通过爱得到救赎这一主旨,生命在音乐中一度得到升华,而他的第九交响曲则是一首重拾死亡主题的“病中吟”,第十交响曲成为他的“未完成交响曲”。这是马勒在交响曲中进行生命自我复制的“精神苦旅”。如果说贝多芬的“命运”主题还是源于传统古典哲学的“物质”与“精神”范畴,那么马勒音乐的“生命”命题则出于人的本体论,并以更多愁善感的世俗细节见长,呈现出浓厚的世纪末情怀。

  当人们还习惯于瓦格纳音乐那样输出着条顿精神的概念、勃拉姆斯音乐的形而上、布鲁克纳的宗教归属感和贝多芬那样的概括性,马勒的音乐内容就显得超前了。马勒在指挥了自己的《第五》首演后说:“没有人懂得我的音乐,我应该在我死后五十年指挥首演。”但他坚信:“我的时代终将来临。”这一具有悲怆色彩的预言在他逝世半个世纪后奇迹般地应验了。在西方,马勒的交响曲在20世纪中叶逐渐被人们认识到其艺术价值。指挥大师索尔蒂说:“或许,马勒今天在听众中如此中兴,是基于以下原因,即他的音乐中充满着欲望、爱情、苦难、恐惧和躁动。这正是我们这个时代的特征。”这就是马勒音乐的诉说。

  马勒交响曲中的大千世界

  马勒将给予德奥音乐传统的最后一击留给了后人勋伯格等20世纪先锋派,然而马勒的交响曲达到了空前甚至绝后的深度和广度。马勒说:“交响乐意味着用我手头拥有的全部技术手段构建一个世界”,他告诫另一位交响乐大师西贝柳斯说:“交响乐必须像一个世界,它必须包罗万象。”因此,人们在他的交响曲中可以听到更多的东西。他的交响曲有时为每一段音乐注上标题,有时没有标题,但人们仍然能感受到音乐的画面感,因此人们说马勒的交响曲是没有标题的“标题音乐”,这样的音乐给人们以丰富的想象空间。马勒没有写过歌剧,但他在交响乐中频频使用声乐,将贝多芬在第九交响曲中开创的使用人声的先例发挥到了极致。而所有作品中的器乐部分也是富于歌唱性,乐句兼有歌剧咏叹调和艺术歌曲那样的风韵。他谱写交响曲是以剧院的音响为想象,而不是音乐会的音响为想象。他的交响曲如同一部部的歌剧,“人生如戏,戏如人生”。马勒将配器色彩运用得出神入化,从细若游丝到第八“千人”交响曲那样的超大型编制,都谱写得游刃有余。马勒的音乐风情万种,但听来并不堆砌或臃肿,达到了简约与繁多的统一,这也是他的音乐的魅力所在。

  马勒交响曲对演奏者的挑战

  从乐队演奏员角度讲,演奏马勒的交响曲远不像贝多芬和勃拉姆斯作品那样好对付,也不像先锋派作品那样容易迷惑听众。马勒的音乐深沉、旖旎、欢喜、悲伤、雄壮、幽默,音色多变、性格多变,这就要求演奏员有很高的适应性和柔韧性。又由于马勒交响乐作品织体、调性、和声和配器的高度复杂,就要求演奏员有良好的纵向与横向的合奏能力和个人控制能力,这样才能再现马勒如天马行空般的音乐语汇。同时还不要忘记,马勒同时还是一位杰出的指挥家,他的这一身份让他在创作中不忘为在指挥台上留有即兴发挥的余地,这让后世的指挥家热衷于在音乐会上演绎马勒的音乐,展示对马勒鸿篇巨制的驾驭能力,展示自己对马勒的解读。


“听感心得:马三第一乐章,是马交里面考验录音艺术思想的交响乐之一”
http://www.erji.net/forum.php?mod=viewthread&tid=1951177

马勒主要是有救赎心态。换中国的词汇就是宗教慈悲心态,附看芸芸众生的生命,幸福和痛苦。
结构上比较有探索比较复杂。
一般马一和马三接近古典交响乐的感觉。容易听点。
网上有马交的介绍。搜一下十大指挥家介绍马勒交响乐,很有参考价值:http://www.360doc.com/content/16/1021/23/36370131_600346611.shtml



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 楼主| 发表于 2017-2-4 13:55 | 显示全部楼层

资源:

肖斯塔科维奇交响乐作品集SACD (捷杰耶夫指挥版为主)

OPO, Hilary Hahn / Mendelssohn and Shostakovich Violin Concertos
小提琴演奏 希拉里.哈恩,奥斯陆交响乐团协奏 / 门德尔松, 肖斯塔科维奇 小提琴协奏曲

http://www.erji.net/forum.php?mod=viewthread&tid=1958810&extra=
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 楼主| 发表于 2017-6-21 01:45 | 显示全部楼层

先锋派交响乐作曲家
瓦雷兹 (VARESE,Edgard)

瓦雷兹是二十世纪著名的先锋派作曲家,在序列音乐,噪音音乐,电子音乐和微分音的运用上都有很大贡献,大大开发了音乐的表现力,被尊为“电子音乐之父”。

在瓦雷兹看来,音乐是一门艺术科学,是数学的边缘学科。他曾说,音乐家应该和机械、电子科学家们携起手来,共同探讨新的音乐表现手段。他是电子音乐的开拓者,但同时又自认为与佩罗廷(Perotin)、马受(Machaut)、许茨(Schutz)等早期音乐家在观念上更为接近。在同时代的人中,他受德彪西、斯特拉文斯基和勋伯格的影响较深。在瓦雷兹的作品中,最典型的手法是将各种不同的音响“流”叠置起来,它们在音高、音程、音域、节奏、音色、发展手法、变化的频率等方面形成鲜明的对比。他将“噪音”引进了音乐的范畴,并见运用了微分音技术,这些做法大大扩股了音乐的表现潜力。

瓦雷兹,法裔美国作曲家。1883年12月22日生于巴黎,1965年11月6日卒于纽约。早年在巴黎师从丹第,维多尔和鲁塞尔学习。1907年移居柏林,1915年到美国,之后长期在美国从事创作。
童年在巴黎和勃良第度过,1893年迁居意大利的都灵。1900年他开始在博尔佐尼那里学音乐。1903年独自前往巴黎,在第二年进入圣歌学校,师从鲁塞尔(Roussel)、丹第和博德斯(Bordes)。1905年又进人巴黎音乐学院维多尔(Widor)作曲班学习。
1907年瓦雷兹来到柏林,结识了许多著名音乐家,其中有布索尼和理查·斯特劳斯。剧作家霍夫曼斯塔尔为他撰写了歌剧脚本《俄狄浦斯与斯芬克斯》。他曾听过勋伯格《月迷彼埃罗》的演出,自己的交响涛《Bourgogne》在1910年得到上演的机会。1915年12月瓦雷兹移居美国,1年以后作为指挥家登台。他与萨尔泽多(C-Salzedo)在1921年创立了“国际作曲家协会”,组织上演了勋伯格、斯特拉文斯基、贝尔格、韦伯思、拉格尔斯以及考埃尔等人的室内乐作品,瓦雷兹自己的《奉献》、《双棱体》、《八棱体》、《积分》也举行了首演。1928年瓦雷兹回到巴黎。对歌剧创作进行的尝试没有获得成功,但他与从1913年就结识的伯特兰一起进行的电子乐器研究,却产生了《赤道仪》这部电子音乐作品。之后,他为了建立一个理想的电子音质研究中心四处寻求赞助,但均被拒绝,这使他陷人苦恼。

1937年在美国的圣菲“阿苏那美术学校”,1948年在哥伦比亚大学从事教学工作,并组织了“纽约大合唱团”演出文艺复兴和巴罗克时期的作品。

1953年一位隐没了性名的音乐爱好者赠送给瓦雷兹一架录音机,这使他得以实行多年以来的计划。他为《沙漠》这部作品搜集音响片断,制成了其中的录音部分(器乐演奏部分早在1950年就开始写作)。1954年《沙漠》在巴黎上演,并在电台以立体声播出。1957年他又在艾恩德霍芬的“菲利浦工作室”里进行全部采用录音带酌《电子音诗》的创作。

瓦雷兹在生前的最后几年中,获得了多项荣誉和奖励。被选进国家艺术与文学家协会、瑞典皇家学会。他的作品频繁上演、录音和出版。


L'Oeuvre de Edgar Varese《瓦雷兹作品集》 _ Kent Nagano - (1992) ERATO[APE]

专辑英文名: L'Oeuvre de Edgar Varese
专辑中文名: 瓦雷兹作品集
艺术家: Kent Nagano
资源格式: APE
版本: ERATO
发行时间: 1992年
地区: 法国
http://www.ed2000.com/ShowFile/26829.html

专辑曲目:

Vol.1
1. Ameriques 《美国》
2. Offrandes: Chanson de La-haut 《奉献》
3. Offrandes: La Croix du Sud
4. Hyperprism 《双棱体》
5. Octandre: I 《八棱体》
6. Octandre: II
7. Octandre: III
8. Arcana 《奥秘》

Vol.2
1.Density 21.5, for flute solo
《密度21.5》
Composed by Edgard Varese
with Philippe Pierlot

2.Ionisation, for 13 percussion instruments
《电离》
Composed by Edgard Varese
Performed by Orchestre National d' Ile de France
Conducted by Kent Nagano

3.Ecuatorial, for bass, chorus, brass, piano, organ, 2 ondes martenots & percussion
《赤道》
Composed by Edgard Varese
Performed by Orchestre National d' Ile de France
with Nicholas Isherwood
Conducted by Kent Nagano

4.Nocturnal, for soprano, chorus of basses, & chamber orchestra (edited by Chou Wen-Chung)
《夜曲》
Composed by Edgard Varese
Performed by Orchestre National d' Ile de France
with Phyllis Bryn-Julson
Conducted by Kent Nagano

5.Intégrales, for 11 winds & 4 percussionists
《积分》
Composed by Edgard Varese
Performed by Orchestre National d' Ile de France
Conducted by Kent Nagano

6.Déserts for brass, percussion, piano & tape
《荒漠》
Composed by Edgard Varese
Performed by Orchestre National d' Ile de France
Conducted by Kent Nagano



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 楼主| 发表于 2017-6-21 01:46 | 显示全部楼层
本帖最后由 jimguo 于 2017-6-21 12:38 编辑

电子音乐——提供新的表现手段

瓦雷兹曾经说:“任何一个时代都有它自己的特殊的声音。”作为作曲家,他的确把时代的特征用音乐充分地表现了出来。

瓦雷兹认为音乐是一门艺术科学,音乐家应该与物理学家、科学家携起手来,共同探讨新的音乐表现手段,从而更好地推动音乐创作。他的电子音乐是他这种音乐观念的最好明证。瓦雷兹的电子音乐是用非线性的方式将声音组织在一起,其电子音乐的创作,确立了音乐创作以科学技术为依托和动力的发展思路。他借助先进的科学技术手段来探寻全新的音乐领域,改变了有史以来传统音乐中以乐音为声源和以人声歌唱、器乐交响为主要内容的基本格局,打破了乐音与噪音之间的绝对界限,将人类已知的大千世界中色彩斑斓的声音和人类尚未知晓的其他可用声音都纳入到课供选用的范围内,为其音乐的发展获取了一个取之不尽、用之不竭的声音源泉。

他的《电子音诗》被认为是早期电子音乐创作中最广为人知的重要作品之一,这部作品是完全运用电子科技手段创作的纯粹电子音乐风格的作品。在这部作品中,具体声音与合成器声音相互融合,制造出了最大限度的声音蒙太奇。
瓦雷兹在作品中取消了演奏者,利用仪器进行操作。他把425个扬声器分成20个音频组,通过三个传声声道在大会馆中进行演奏。瓦雷兹把425个扬声器镶嵌在建筑物内部的天花板和四周墙壁上,使得通过电子手段制作的声音以不同速度从选定的不同角度、位置的声道中传出。这就使得立体声音效果能够渗透环绕到整个建筑物的每个角落,好像声音沿着大帐篷跑跳,又好像声音来自不同方向,发出回响。它不仅充分向世人展示了瓦雷兹“新音色”观念支配下的音乐作品的独特魅力,也为电子音乐的发展做出了突出贡献。

总之,埃德加瓦雷兹作为20世纪新音乐的开拓者,其“新音色”观念让我们充分认识到:没有对传统的突破,就不会知道音乐艺术的自由;没有对音响极限性的探索,就不会有今天丰富多彩的音乐语言。可以说,埃德加瓦雷兹的音乐观念及创作手法给我们带来了一笔巨大财富,那就是,音乐的自由,想象力的自由与人性的自由。

瓦雷兹的音乐创作观念主要体现在三个方面:其一,为了获得新音色,非常规性地使用乐器。其二,为了扩大音响素材范围,提升噪音在音乐创作中的地位;其三,为了增添音乐创作方法,利用电子手段进行音乐创作。可以说,瓦雷兹的一生,都在为了摆脱欧洲音乐传统模式而努力奋斗。他关注未知,从未停止过对新声音的好奇与探索。为了获得新的音响效果,他不断使用各种新手段来进行试验。正是因为他的不断努力,使得他的“新音色”观念,即乐器创新、噪音解放以及利用电子科技等手段进行音乐创作,为后来的音乐创作开辟了新道路,产生了深远影响。
瓦雷兹的音乐,给我们呈现的是一种难以用语言和文字来描绘的境界,是作曲家巧妙的逻辑构思和独特的艺术个性。他没有贝多芬、莫扎特等人的传奇、浪漫与才情,他有的是超前的音乐观念,是为艺术理想而努力拼搏的坚持与勇气。
让人欣慰的是,瓦雷兹的音乐观念不仅受到现代派作曲家斯托克豪森、约翰凯奇等音乐家的高度赞誉,被称为几代音乐人的先知,他的音乐作品也越来越受到关注。关于埃德加瓦雷兹,我国著名音乐理论家彭志敏曾写过这样一首诗:关于瓦雷兹的音响观念及空间发散思想大胆性反叛,独视音乐为空间。不重音高重音色,但求音响四发散。乐器选择多对比,响器运用替管弦。荒漠音诗噪声波,音响组织既往然。密度二十一点五,长笛独奏为一件。音型音程全音阶,分属七个三和弦。音区音域加音色,立体分布成画面。知识渊博瓦雷兹,影响深远深超前。诗句呈现了瓦雷兹的音乐观念、音乐作品及音乐影响。

瓦雷兹不仅在音乐创作上影响着后人,他的为艺术理想而坚持不懈、努力奋斗的精神更是激励和感染者每一个人。



美籍法国作曲家埃德加.瓦雷兹(Edgard VARESE)

1883年12月22日生于巴黎,1965年11月6日卒于纽约。对于打击乐器具有的潜力,瓦雷兹始终抱有极大的兴趣。他在《电离》中的种种新发现,后来在1950年的《沙漠》中,又被大大地开掘和发展了。

童年在巴黎和勃良第度过,1893年迁居意大利的都灵。1900年他开始在博尔佐尼那里学音乐。1903年独自前往巴黎,在第二年进入圣歌学校,师从鲁塞尔(Roussel)、丹第和博德斯(Bordes)。1905年又进人巴黎音乐学院维多尔(Widor)作曲班学习。1907年瓦雷兹来到柏林,结识了许多著名音乐家,其中有布索尼和理查·斯特劳斯。剧作家霍夫曼斯塔尔为他撰写了歌剧脚本《俄狄浦斯与斯芬克斯》。他曾听过勋伯格《月迷彼埃罗》的演出,自己的交响涛《Bourgogne》在1910年得到上演的机会。

1915年12月瓦雷兹移居美国,1年以后作为指挥家登台。他与萨尔泽多(C-Salzedo)在1921年创立了“国际作曲家协会”,组织上演了勋伯格、斯特拉文斯基、贝尔格、韦伯思、拉格尔斯以及考埃尔等人的室内乐作品,瓦雷兹自己的《奉献》、《双棱体》、《八棱体》、《积分》也举行了首演。
1928年瓦雷兹回到巴黎。对歌剧创作进行的尝试没有获得成功,但他与从1913年就结识的伯特兰一起进行的电子乐器研究,却产生了《赤道仪》这部电子音乐作品。之后,他为了建立一个理想的电子音质研究中心四处寻求赞助,但均被拒绝,这使他陷人苦恼。
1937年在美国的圣菲“阿苏那美术学校”,1948年在哥伦比亚大学从事教学工作,并组织了“纽约大合唱团”演出文艺复兴和巴罗克时期的作品。1953年一位隐没了性名的音乐爱好者赠送给瓦雷兹一架录音机,这使他得以实行多年以来的计划,他为《沙漠》这部作品搜集音响片断,制成了其中的录音部分(器乐演奏部分早在1950年就开始写作)。

1954年《沙漠》在巴黎上演,并在电台以立体声播出。1957年他又在艾恩德霍芬的“菲利浦工作室”里进行全部采用录音带酌《电子音诗》的创作。瓦雷兹在生前的最后几年中,获得了多项荣誉和奖励,被选进国家艺术与文学家协会、瑞典皇家学会。他的作品频繁上演、录音和出版。在瓦雷兹看来,音乐是一门艺术科学,是数学的边缘学科。他曾说,音乐家应该和机械、电子科学家们携起手来,共同探讨新的音乐表现手段。他是电子音乐的开拓者,但同时又自认为与佩罗廷(Perotin)、马受(Machaut)、许茨(Schutz)等早期音乐家在观念上更为接近。在同时代的人中,他受德彪西、斯特拉文斯基和勋伯格的影响较深。

在瓦雷兹的作品中,最典型的手法是将各种不同的音响“流”叠置起来,它们在音高、音程、音域、节奏、音色、发展手法、变化的频率等方面形成鲜明的对比。他将“噪音”引进了音乐的范畴,并见运用了微分音技术,这些做法大大扩股了音乐的表现潜力。

瓦雷兹曾经说:“任何一个时代都有它自己的特殊的声音。”作为作曲家,他的确把时代的特征用音乐充分地表现了出来。《电离》所使用的约40件打击乐器(13名演奏者),绝大多数是没有固定音高的噪音乐器,正因为如此,“节奏细胞”便得以自由地发展变化和交替使用。在作品的最后17小节中,具体准确的音高才由钢琴在低音区以“音块”的形式出现,同时,由钢琴、钟琴和管钟奏出的三个和弦在节奏上有着丰富的变化。


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 楼主| 发表于 2017-6-21 11:00 | 显示全部楼层
本帖最后由 jimguo 于 2017-6-21 13:48 编辑

1958年世博会上的世界第一部多媒体音乐《电子音诗》在布鲁塞尔震惊世界

1958年,在比利时布鲁塞尔举办的世博会上,许多大胆、前卫、创新的思想开始彰显。其中荷兰飞利浦公司的展馆就以一组多媒体艺术震惊了许多的参观者,以至于直到今天,人们仍对这种前卫艺术争论不休。

当时,飞利浦公司请来了建筑界的泰斗——著名建筑大师勒.科布西耶设计展馆。已经71岁的科布西耶,在理解了飞利浦展馆的设计委托后说:“我会给你们一首电子诗。而场馆只是光线、影像、声音的容器”。这是一项非同寻常的设计,按照柯布西耶的想法,整个展馆设计的核心是电子音乐,科布西耶聘请了被称为20世纪音乐巨匠的瓦列兹作为音乐上的主要合作者。
瓦列兹的最大特点就是拥有很多超乎常人的创新能力。在他出生的年代和他非常活跃的年代就产生了电子音乐,他准确和非常及时地把握这样一些机会,把他自己的想法变成为新的音乐。
瓦列兹疯狂地投入了音乐创作。8个月后,由他为飞利浦展馆创作的《电子音诗》诞生了。
当飞利浦公司听到这样的音乐样稿时非常不满,显然这不是他们期待的东西。但柯布西耶认为这部作品可以体现他对展馆整体的设计理念。最终,瓦列兹完成了20世纪具有里程碑性质的电子音乐作品《电子音诗》。

《电子音诗》全长8分钟。在作品里,瓦列兹摆脱了传统的和声、旋律等等束缚,运用了拼接、混响等多种电子手段将各种声音碎片组织起来。运用电子技术手段拓展表现,形成一种听似杂乱无章,实为瓦列兹思想表达的、充满全新意义的电子音乐作品。
《电子音诗》表达了快速发展的机械文明为迈向未来新的和谐而作出的努力。剧本包含以下几个序列:起源、精神和物质、从黑暗走向黎明、人造上帝、时间是怎样铸造了文明、和谐以及致全人类。

在1958年,当时的人们第一次听到这个电子音乐的时候可能会突然大吃一惊,怎么声音是这样的一种东西。但在我们今天来看的话,电子音乐的出现和电子音乐的发展,巨大的扩展了人们对声音的认识、扩展了对音乐发展认识的更大空间。

最终,在1958年的世博会上,造型奇特的飞利浦馆没有展出任何产品,而是展示了8分钟的多媒体音乐作品《电子音诗》。多声轨磁带录音机唱响全馆的350个扬声器,除了与建筑的联系外,当时还有大量画面、灯光等与这首电子音乐同步展示。
游客走进展馆便是走进了瓦列兹的电子音乐。参观者在听到这部作品并看到相关注释影像后,表现出了各种各样的反应:惊骇、愤怒、不知所措、畏惧、感兴趣、狂热。”布鲁塞尔世博会飞利浦馆,由此深深地印在了人们的记忆中。
大家惊讶这一点都不奇怪。世博会恰恰是一个展示人类在精神的追求这方面 包括是以科技为前提的 这样的环境下来展示人的新的思想 新的能力 新的理念的一个平台 恰恰是更需要的是创新。

《电子音诗》是瓦列兹一生中最后一部作品。尽管这部作品始终伴随着争议,但仍然彰显生机。《电子音诗》因世博会而生,而世博会也因为电子音乐作品的不断涌现并形成潮流,更彰显出它的前卫性和包容性。
尽管人们还是对新奇有永远的探求,那么,大家还是希望听到的音乐和感受到的音乐,能给人们带来的永远是一种心情的愉悦生活的美好。
今天,在我们的生活中,当你听到各种类型的电子音乐时,可能不会再像当初的人们那样,对这样的作品惊愕万分了。

电子音诗瓦列兹    https://www.bilibili.com/video/av4890098/

网上视频,有一些瓦雷兹的音乐作品演出录像。

五十年代的前卫艺术,到了70年代就变成流行艺术。很多科幻惊悚片的电影配乐经常采用现代交响的配乐手法。



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 楼主| 发表于 2017-6-21 23:08 | 显示全部楼层


先锋派交响乐作曲家
Harrison Birtwistle 哈里森.伯特威斯尔
英国先锋派作曲家,单簧管吹奏家

他是当今英国,或许也是全世界最有创造力的作曲家,被誉为‘当代贝多芬’。他和希腊神话的羁绊要从孩童时期说起,11岁时的伯特威斯尔就曾“听到了一种不存在的音乐”,从此便开始了他不眠不休的追寻。
伯特威斯尔毕生的歌剧作品植根于神话和仪式,并且只供成年人观看。但这并不是因为作品有任何道德问题,而是他的音乐一入耳,就像是从地壳深处挖出了一种恐怖的声响,这种新的感受,能够重新调节我们的耳朵。而这种音响的张力,本身并不适用于儿童。

「高度的拋光表面修饰是危险的,你只会看到自己的身影反射在其中,我试图保留一种粗糙度在我的音乐之中。如果我是一位雕塑家,我会希望我能看到我自己所钻凿过的痕迹。」指挥家Elgar Howarth曾经如此形容著英国当代作曲家哈里森.伯特威斯尔爵士(Harrison Birtwistle)的作曲风格,Birtwistle也不可否认他对流行音乐的矫饰与陈腔滥调的厌恶。更一向追求狂野不羈、一种野性式的纯粹音乐直观,探讨人生和音乐之间的联繫与价值。

伯特威斯尔的作品严肃庄重,先仿效斯特拉文斯基风格创作《叠歌与合唱》(1957),后转而创作了两首独具风格的乐曲(1965):器乐曲《悲剧》和声乐器乐曲《敲打无声的钟琴》。《悲剧》实际上取材于希腊戏剧。它的发表导致60年代末产生歌剧《潘奇和朱迪》(1968)和《格林伍德派获胜》(1969)。伯特威斯尔的作品主要以大自然绵延不断而人生却转瞬即逝为主题。《水母》(1970)一曲是模仿软体生物水母的活动方式创作的,曲调柔和,适于器乐合奏和磁带录音。伯特威斯尔的乐曲富于雕刻风格,静穆宜人,表现力强,主题思想明确。


哈里森.伯特威斯尔:诗词音乐论 Harrison Birtwistle: Chamber Music (CD) 【ECM】
发行时间: 2014年04月14日
https://pan.baidu.com/share/link?shareid=2930748951&uk=1564923214&fid=632343412780439
https://pan.baidu.com/share/link?shareid=2930748951&uk=1564923214&fid=725383192989549
《Chamber Music 诗词音乐论》中收录了Birtwistle近年来的作品:用12曲人声以及大提琴二重奏演绎美国现代抒情诗人Lorine Niedecker 的重要诗作。低吟与高亢的音层衝突,充满情感的精采狂想;
2011年所作、狂野的小提琴、大提琴、钢琴三重奏─「Trio」,如魔术般的聆听饗宴,奥地利钢琴家Till Fellner如鬼魅般的演出非常卓越出色;
而「Meditations On a Poem of Rilke」,是对奥地利文学诗人Rainer Maria Rilke 名作《Liebes-lied 爱之歌》的致敬。由低音男声Roderick Williams倾诉著令人动容的爱情诗句,颓废式的美丽烂漫。
Harrison Birtwistle明瞭人生的孤寂与本质,透过这些情感丰富的诗词语句,他极欲表达对这些情绪的高度认同感,透过浅明的室内乐设置,直白地转化这些人类的基本情慾,直至生命的深层底。


Harrison Birtwistle - Earth Dances _Pierre Boulez (1968)
https://pan.baidu.com/share/link?shareid=693417168&uk=2769031416&fid=741884910
https://pan.baidu.com/share/link?shareid=692645210&uk=2769031416&fid=1066576983
艺人:        Ensemble Modern
唱片公司:  Deutsche Grammophon
发行时间:  2004年06月01日
专辑类别:  录音室专辑


伯特威斯尔1934年出生于英国兰开夏郡郊区的阿克灵顿。伯特威斯尔在学校里是一直都是一个不合群的孩子,同学们都叫他“坏脾气伯特”。虽然脾气不好,但才华横溢。
1952年在曼彻斯特上音乐学校,师从理查德.霍尔学习作曲。获得皇家曼彻斯特音乐学院奖学金。他和英国女王伊丽莎白的御前作曲家(彼得.麦克斯威尔.戴维斯)剑桥大学的音乐学教授(亚历山大.高尔)等一批牛人都是同期的学生。
和同学彼得.马克斯韦尔.戴维斯、亚历山大.戈尔(1932)和约翰.奥格登(1937)成立了曼彻斯特新乐团体,演奏当代音乐和当时很少听到的第二威尼斯学派的作品。
在军乐队服满兵役后,进入皇家音乐学院师从雷金纳德.凯尔学习单簧管。1962-1965年执教多塞特的克兰伯恩蔡斯学院。1975年任新成立的南方国家剧院乐队指挥。其后又参加丑角乐团和马特里克斯一艾伦.哈克剧组工作,前者是他同彼得.马克斯韦尔.戴维斯联合组建(1967),后者是丑角乐团在伦敦走红时成立(1970)。

相比显赫的同学来说,伯特威斯尔的成就来的慢了一些。直到30多岁的他才拿出作品《潘奇与朱迪》。让人惊讶的是,在1968年首演后,《潘奇与朱迪》因暴力的音效一炮而红,同时还捧红了指挥家本杰明.布里顿。不得不提的是,林伯利剧场的演出只供成年人观看,新版《潘奇与朱迪》也将观众年龄限定在16岁以上。

伯特威斯尔的成功并不是偶然的,在上世纪80年代中期,在创作《俄耳浦斯的面具》和《加文的旅程》时,他和太太希拉住在法国一座荒山上,只有路过的哭丧脸的绵羊们做伴。
他花了3天才写满一张乐谱,直到音乐完全符合他的噪音准则为止。有一次他打电话给编剧大卫.哈申特:“大卫,你记得骑士的头被砍的那个小节吗?嗯,看来他的头得掉3次了。得让音乐说了算。”对于伯特威斯尔来说,音乐的需要是毋庸置疑的。

伯特威斯尔本人虽然一脸温和,但他的歌剧《牛头怪》中无比深刻地揭示了人性的分裂和人们心中的兽性。让人很难相信他竟能挖掘出那样的怒吼。
《牛头怪》揭露了“我们所有人半人半兽的两面性”。 哈申特将牛头怪视为善恶双重人格,将伯特威斯尔视为一个受动物冲动困扰的人。牛头怪被困于迷宫,野蛮地怒吼。紧张自始至终。作曲家说:“这个故事不是为戏剧上的成功而作的,我不会告诉你结局如何。”

有人曾问过他为何钟情于神话,是现实世界太没意思了吗?
“我不知道怎样回应现今发生的事。”
他的回答缓慢而平淡,但这个问题显然抓住了他,几分钟后他又绕了回来,
“我生活在世界中,从这个意义上说,作品与我所处的时代是相关的。我对神话的兴趣很关键,从小就是。但最重要的还是音乐,自然主义无法与音乐相符,所以我选择了神话。”

或许你也可以在贝多芬《第九交响曲》的慢乐章、瓦格纳《特里斯坦和伊索尔德》的开头与结尾、德彪西的《大海》、雅纳切克的《在雾中》、披头士的《挪威的森林》感受到音乐的功效,但只有伯特威斯尔将之视为一种进程,作品一部接着一部,不是每个人都能承受住这样的猛攻。

“自从哈里森.伯特威斯尔来到这里,树上的鸟叫听起来都不一样了。”这可是把剧场挤得水泄不通的年轻人的说法,“听过伯特威斯尔后,任何声音听上去都与以前不同了。”伯特威斯尔的歌剧在科文特花园上演时,曾引起了激进质疑者有组织的闹事。1995年逍遥音乐节最后一夜上演了一曲狂暴的《恐慌》后,BBC 的总机被投诉者打爆,因为该作品惊扰了他们家里的宠物。
是啊,伯特威斯尔的音乐从不让人轻松,更不是随随便便就能领悟的。他的音乐拒绝一种标准描述,既非无调性,也无悦耳的旋律,他从地壳深处挖出一种恐怖而有震慑力的音响,并用一种烧死异教徒或绞刑示众的戏剧性张力表达出来。

伯特威斯尔因为在歌剧上的成功而被皇室封为爵士,荣誉勋爵。一开始他是拒绝的,但周遭的显赫人士都跟他说“这对你的音乐有好处”,他才很勉强的接受。
年复一年,人们对他的音乐理解越来越深入。他的作品是交响乐季的固定节目。他的每一部新作品都比上一部有进步,每一部都惊心动魄。

82岁的伯特威斯尔依然不愿被归类,作为少数几位改变了我们聆听方式的音乐家,他得以与贝多芬和瓦格纳比肩。如果你不相信,就去看《牛头怪》吧,听一听那首“黎明合唱”。

2016-03-09 00:35:24 来源:海趣乐享

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