【转帖】我对New Age Music的认识[精品啊!!!]

seff007 · 发表于 2005-6-14 20:52

【转帖】我对New Age Music的认识[精品啊!!!]

以下是我对New Age Music的认识，顺答ongogo先生关于New Age Music的文章，由于我才开始学习中文，因此我的表达能力并不好，如有表达不清或表达错误，希望大家原谅。
美国独立厂牌Windham Hill 是最具代表性的New Age 唱片公司,也是Windham Hill首先为新类型音乐提出New Age Music的称谓。

国际上的New Age音乐家有很多，最具代表性的大概有“谜 Enigma（英格玛）”、“恩雅 Enya”、“班得瑞”、“雅尼 Yanni ”、“神秘园”、“Bella Sonus”、“Bond 古典辣妹”、“Suzanne Ciani苏珊·希雅妮”、 “Sarah Brightman莎拉布莱曼”、 “Deep Forest森林物语”、 “神思者S.E.N.S.”、“Era 创世纪”、“Vangelis范吉利斯”、“Chris Spheeris”、“马修连恩（matthewlien）”、“Ginkgo Garden 银杏花苑”、“Gregorian 格林高利合唱团”、 “James Horner”、；而日本方面则有“久石让 Joe Hisaishi”、 “喜多郎 Kitaro”、以及由城之内美沙和一群生活在日本的中国音乐家为代表的一系列“和平之月”专辑作品。

中国在上世纪90年代开始出现New Age Music音乐创作，尽管参与的音乐家数量不多，作品数量也不多，但起点比较高，水平也相当不错，印象中是由何训田的《黄孩子》开始起步，继而《阿姐鼓》，后出现刘健的《黑珍珠》、《东方大峡谷》、《湖》、《云南**》（一下子记不全这个专辑的名字了），而最近何训田创作风潮唱片出品的《婆罗密多》和邓伟标创作雨林唱片公司出品的《空》都具备很高的国际音乐水平。总体上来说，中国的New Age Music作品在数量上并没有日本的丰富和多彩，参与的音乐家也没有日本的多，但单以日本风行全球的“和平之月”50多张“中国色彩New Age Music”来衡量，中国音乐家的New Age Music创作水平还是比日本的“和平之月”要高，但碍于商业运作机制的差异以及各种客观的原因，中国的New Age Music并没能获得更大的市场空间，也未获得更广泛的认可（《阿姐鼓》除外，因为《阿姐鼓》不是由中国人经营的）。

听New Age Music的时候，最忌用传统古典音乐或摇滚音乐的审美标准来衡量，New Age Music有着自身的一套美学形态，它的音乐表现手段并不统一，有一些是非常电子化的，比如德国的Enigma（英格玛）和日本的喜多郎 Kitaro等而有些却很传统，比如钢琴诗人The Daydream，而更多的是柔和了多种音乐形式的，在某种意义上New Age Music比传统音乐更具备深刻而丰富的人文、哲学内涵。

New Age Music作为20世纪纯音乐的最大发现，来自于一种可以带来内在平静的审美观点。通常来说，它们是一些带着新世纪哲学理念的和谐与非破坏概念的唱片，它们可以鼓舞精神上的超脱和生理上的治疗，其中一些唱片既能给我们以艺术上的享受，又能给我们以精神上的恢复，更有一些音乐家，通过他们特别设计的音波和“无污染构思”音乐理念来使听者的精神境界升华。

新世纪音乐是新世纪哲学的对应，它包容从现代轻松音乐一直到冥想型灵魂探索音乐。

新世纪音乐采用电子乐器，包括西方与非西方的乐器，及偶尔的歌唱，创造缓和的旋律来适应现代生活快节奏。

为寻求精神治疗和超越，新世纪音乐人时常借用非西方音乐的元素--就像新世纪哲学对非西方哲学的吸收一样。

New Age 早期的音乐形态是以环境音乐 (Ambient Music) 为基础演变而成。也有人称环境音乐为自然音乐、绿色音乐等。New Age Music录制过程大多以自然声响及旋律构成，其音乐形态受风行于70年代后期的Fusion (融合音乐，即爵士乐和摇滚乐结合的风格) 乐风所影响，因此New Age Music会如Fusion Music一样，在音乐当中加进了电子合成音效，如使用回音、电子乐的回响（Reverb）以及其它利用空间创造出的声音技巧，营造极其优美的曲风，模拟幻化的空间质感。

80年代之后，许多年轻乐手 (摇滚派/融合派) 放弃了电子音乐的华而不实，重投Acoustic (即以传统自发声乐器演奏)。人们开始放弃了物质世界的追求，投向追求理性自然的生活，追寻心灵的满足。因此80年代中期，以寻求心灵与自然满足的New Age Music发展已经逐渐成熟，不仅延续修身的冥想，并且不断加入重视环保、阐扬人文思想、关怀世界的理念，因而奠定它自成一派的宽大视野。

1994年来自德国「谜」（Enigma）乐团推出了一张充满新世纪色彩的葛利果宗教音乐，在全球创下千万张的销售量，奠定 New Age 的地位，和古典乐、流行乐鼎足而立于咤当今乐坛。在当时，可谓音乐界最大的震撼，音乐界人士都认为新世纪音乐的时代终于来临了。

以宁静、安逸、闲息为主题的New Age Music ，纯音乐作品占的比重较多，有歌唱的占较少。New Age Music可以是纯以传统自发声乐器演奏的，也可以是很电子化的，重点是营造出大自然平静的气氛或宇宙浩瀚的感觉，洗涤听者的心灵，令人心平气和。New Age Music 很多时与音乐治疗有关，不少New Age Music 说可以治病，也有不少与打坐冥想有关，这与New Age 思潮哲学有莫大关系。New Age Music通常被视为颇为中产阶级的音乐，Windham Hill 是最具代表性的New Age 唱片公司，New Age 代表乐手有Enya(恩雅)、George Winston、 William Ackerman 、Yanni 、Kitaro(喜多郎) 等等。

New Age的分类
1 部落 (Techno Tribal)
2 精神音乐 (Spiritual)
3 太空音乐 (Space)
4 器乐独奏 (Solo Instrumental)
5 自助音乐 (Self-Help)
6 新古典 (New Classical)
7 电子新世纪 (New Age Electronic)
8 原声新世纪 (New Age Acoustic)
9 民族混合 (Ethnic Fushion)
10 现代器乐 (Contemporary Instrumental)
11 气氛音乐 (Atmospheres）

seff007 · 发表于 2005-6-14 20:53

【综述】NewageMusic，一种音乐理念
文/星辰坠落

Newage这个词从何起源，也许可以追溯到文艺复兴年代，但在二十世纪八十年代西
方，被赋予了一种新的概念，随即在世界各地迅速传播开。对于中国人来说，可能印象
最深的莫过于当年的Yanni，Secret Garden。从80年代到如今，Newage Music从新兴到
家喻户晓，差不多20多年的时间，首先它作为一种音乐形式被极大的丰富了，并且商业
份额惊人。而另一方面，人们对它的误解，也使得它被更大地隔离在最初所被赋予的涵
义之外。

  在国内唱片业开始大力投资制作制作Newage Music的同时，各类介绍性文章也充斥
在整个网络与各大媒体，但媒体的宣传在给人们造成一种疯狂的消费氛围的同时，也扭
曲了人们应该了解到的另一种真实内涵。也许许多人仅仅满足与Newage某一方面带给人
们的听觉冲击和心灵上的抚慰，并不在乎其音乐学上的分类以及音乐史上的地位等等学
院派研究主题。诚然，音乐欣赏，从本质点出发，重要的在于感官享受以及精神力量，
但是我们同样不能忽视一点，那就是音乐的发源代表一种或几种文化的演化与变革，而
这种变革无需人们去研究分析，就已经实际影响着我们的生活，另一方面，音乐的内涵
在被正确理解之前，分类学也起到关键性作用，相当于我们在重建一个概念系统以备来
接受与消化新的文化艺术思想，并且真正与我们的生活相关。很自然，这种概念的广义
或者狭义理解都应当尽可能在接近事实的基础上被传播。

  首先，我想从音乐形式以外的角度来讲讲。Newage，基本被翻译成“新世纪”或者
“新纪元”，Newage Music则作为一种新兴的音乐形式被大众接受。
  我的理解是，Newage，首先是一种理念。新版格罗夫音乐与音乐家词典里的解释，
首先上来，就说明，Newage是一种意识形态（这个原文我曾经贴过）。从社会大范围角
度说，这是完全正确的，几乎艺术的各个领域在二十世纪都受到整体变革的影响，创新
与突破，已经不仅仅是其表面含义而是已经作为一种已经确立的形态被实验，被扩大，
被接受。而Newage Music正是在这样一个社会大背景之下诞生的。实验性可以作为其第
一层表面特征。

  之后谈到起源，首先我们关心什么时候诞生和最初的风格形成，从国内的一些文章
看，可以说众说纷纭，有人说是米恰·琼斯，一位钢琴家，或是一个叫坡·文特的萨克
斯风专家，甚至定义他为新世纪的“教父”，还有的说是70年代一群艺术家共同努力的
结果。
  可以查到一个叫Tony Scott的爵士音乐家，在64年发表了一张名为Zen Meditation
的专辑，被认为是第一张Newage Music的标志（可以参见新版格罗夫音乐词典解释）。
这是一张具有Fusion Jazz风格的唱片。很容易理解，最开始的一批实验家们，正是一些
电子原声音乐家以及爵士乐先锋派。尽管说，在80年代北美，这类兴起的音乐曾经一度
风行于各类冥想团体和按摩美容院，但其主要形态并非是纯粹Meditation的，而首先是
异域性，Exotic。这种外来音乐在概念上打破了西方传统，而在外表形态上给予人们新
鲜感，满足猎奇心态，从感官上切合当时环境。实际上，Newage Music的发展，极大地
受益于商业需求，而正是这一行为，限制了人们的思维，也抹杀了艺术家的艺术价值。
也许正因为如此，即使是70年代那批Newage Music的先驱也不愿意被划在这一圈子内。
他们认为，首要的，是作为一种革新的艺术行为，而非约束于某一种音乐形式。

  对Newage Music最为传统的解释是一类meditation,healing music，这也符合大众
所期望的，在听惯了流行之后剩下的浮躁也许可以通过某种变相的流行得以抚慰，而平
常对古典敬而远之又渴望某种优雅和纯净的人或许可以在其中找到点共鸣，最为适合的
代名词莫过于雅皮音乐了。然而，与此同时，更多的内涵以及可发展的领域被人们剔除
了在外。
  下面我想仅就Newage Music的各个分支类型出发，谈一谈平常容易被我们忽略和混
淆的问题。对于已经差不多公认的七种类型：Ethnic Fusion,Meditation,Contemporary
Instrumental,Neo-Classical,Progressive Electronic,Solo Instrumental,Techno-
Tribal的基本概念性简介可以参看allmusic网站。

  Ethnic Fusion和Techno-Tribal这两个概念可能较为常见，也比较容易被混淆。其
实差别并不是很大，其表面特征都具有我前面提到的Exotic，其实就是受到北美以外民
族音乐的影响。许多学者认为是由于当时世界音乐的浪潮正席卷了整个西方世界，印度
和非洲音乐尤其多地被西方音乐家们作为实验的对象。另一Tribal特征的音乐则并非来
自异族，而是美国本土民族——印第安，印第安音乐最为成功的宣传扩大是R.Carlos
Nakai，一位吹着Native Flute将印第安音乐推向高峰的音乐家，在他之后许多人开始关
注起Native Flute Music这种带着强烈本土气息的部落音乐。但其实对于大多数北美白
人来说，这仍然是一种异族音乐。
  如果说Nakai还在传统范围内谨慎地前进，那么其他象Ancient Brotherhood，RASA
Cusco，Medwyn Goodall则是更大胆地混合了现代西方音乐与异族音乐，创立了一种独特
的风格，并离开传统Ethnic Music更远，但是都可以将他们归于Ethnic音乐中去。而相
对来说Techno-Tribal则更倾向前卫电子原音风格，这其中的杰出代表则是Jon Hassell
对于我们国内乐迷来讲，比较熟悉的则是Deep Forest。

  改头换面的传统音乐，在轻快的电子乐风的带动下，的确满足了一代人渴望接触神
秘的心态，这种含混不清的音乐元素填充了一颗颗空虚的心灵，象任何一个划时代的事
物一样，在其颠峰过后便不可避免地遭到来自学术界，其他无关领域的各类批评。从传
统学院派角度看，无疑这是一种离经叛道的行为，实验音乐学家从来在固守传统阵地的
同行眼里是被轻视的，他们指责这种包装后的贴着world,newage标签的音乐在将传统扔
进废墟中，且欺骗音乐爱好者，用一种假相换得“崇敬”，所谓古典文化艺术在一代又
一代人的遗漏中被消耗殆尽。
  抛开其激进的言论不说，我们同样在兴奋过后的反思中可以察觉某种应该警惕的兆
头，Newage Music在启发现代艺术家灵感的同时，也在将人们引入一个歧途。人们可能
感受到非洲鼓点的密集节奏同时，无法摆脱电子合成器制作出来的效果，一旦脱离了这
一基础，我们可能看着媒体介绍一部作品里运用了非洲加纳，就以为是来自非洲的音乐
而其实那不过是采用了加纳的三重奏音色，并无传统节奏和音型。而在一部充满美妙和
声的Newage作品中可能仅仅是西方教堂音乐的运用，却被渲染成具有印加色彩的音乐，
而其实真正的印加民间花腔女高音却是稀罕难见。但是我们都明白，这些对于仅仅需要
单方面满足的大众来说都是无足轻重的。只是对于艺术领域来说，无论是传媒还是艺术
家本身，都有义务澄清这种被误解的成份，Newage Music仅仅是在以西方的音乐方式来
演绎其他文化的音乐形式，其重点恐怕仍旧在宣扬西方音乐系统。

  这里我不得不提到Fusion这个概念，其实在音乐学里有两层含义，一是real fusion
指的是在已经形成的新形式中可以找到同时影响西方和其他种族音乐的元素。另一个是
superficial fusion，指的是仅仅在配器，节奏，某些韵律上找到相似处，而其实这类
音乐仍旧属于它本身。这正如大多数泛滥的Newage Music一样，尽管说可以在各种排行
榜上找到不同位置的相同音乐，其分类庞杂无比，但最终适合的名词，仍然是Newage，
它们大多数运用了稀罕的乐器，或者其他民族的音乐元素（节奏，音型），或者利用了
其他民族的艺术家为他们发声，但其实对于本土音乐和主体音乐都无关紧要。不过，如
果我们从整体历史角度看，也仍旧可以看到一些real fusion的影子，这个下面会谈到。

  如果说superficial fusion很多基于器乐专家的实验性尝试，那么在Newage Music
中一个极大的分支则是Contemporary Instrumental。这个一般翻译成“当代器乐”。
为何要说当代？并且有别于solo instrumental，其原因一部分可以从研究专辑的配器上
获得。
  非常著名的一个器乐专家，Mike Oldfield可能很多人都有印象。据说他能弹奏20多
种乐器，并且一些是十分罕见的。这个说法准不准确就不去考究，但至少，在他最为出
名的专辑《Tubular Bells》里，他就使用了除常规吉他，贝斯等西方乐器之外的管风琴
曼陀林，风笛，各种打击乐器，六孔木萧，钟琴等十来种乐器。这张专辑因此制造了一
种神秘诡异的气氛，尤其那首同名曲更被后来的恐怖片《驱魔人》收为主题曲。这张专
辑或许在Newage Music里算是另类了，尽管在许多旋律感方面，我认为是流畅而如管钟
的声音穿行在钟乳洞中。稍后于他的一位多产音乐家Medwyn Goodall可能是国内更为熟
悉的新世纪作曲家，他最为著名的专辑《Medicine Woman》女巫医中使用了24种器乐。
这或许是最多器乐配置的新世纪专辑了。
  从70年代到80年代，差不多10年的时间，当代器乐涉及的领域恐怕比Newage Music
为大众熟知的领域更宽广，从Jazz到Classic，从Rock到Folk，各种艺术家都在尝试。
相对来说比较纯净的solo instrumental则以更平易近人的姿态出现。许多为Newage迷所
关注的音乐公司有Nightingale，Windham Hill，Hearts of Space，旗下的艺人也是经
典作品不断。70年代初成立的Windham Hill可能是其中最为著名的。其创始人Mill
Ackerman本身就是一位吉他手，他被认为是Newage Music第一张成行专辑的创造者，也
就是名为In Search of the Turtle's Navel的怪异专辑，当然，音乐并不怪异，是具有
民谣风格的新音乐类型。之后公司的另一位风靡全球的作曲家George Winston更是继承
了WH公司的民谣风格，并且比同时代的Suzanne Ciani, Michael Jones, Pat Metheny在
实验性上走得更远。听过他那张Forest专辑的人一定会对那冷冽的钢琴声印象深刻，在
他的音乐中我们听不到扰人的电子合成的声音，钢琴的声音纯净剔透，结合了美国本土
民谣以及现代钢琴弹奏手法，创造了一种独特的氛围。很显然，他之后的作品都具有此
类风格。

  虽然说Contemporary Instrumental其实在Newage Music确立之前就早已经成形，但
一种更为早期就有的类型meditation则是真正在商业上大大推动了newage工业的发展。
这其中的典型代表人物Steven Halpern，被认为是Newage Music的奠基人之一。他在早
年就开始研究音乐的治疗作用，当时的西方曾经一度被此类音乐填充。而Halpern还率先
将他的专辑在医院以及康复中心销售，这一举动无疑大大推动了Newage Music的商业进
程。但是Meditation以及与之接近的具有轻柔乐风的音乐，包括一些电子合成的音乐在
许多人眼里开始由于泛滥而贬值，“声音泻药”这个词被常用来形容那些雅皮音乐，也
是有一定道理的。可以想象城市的各个角落到处充斥着这种被称为冥想的音乐，但实际
上早已经远离其当初的涵义，人们不过是在接受又一项流行的主导地位。只是，并非所
有冥想音乐都出自艺术或公益目的。

  对冥想音乐有过深远影响的一位先驱者Dan Gibson可能乐迷们不会陌生，在众多环
境主义者，声音美学家们的开创性事业中他是成绩突出的一位。在他早年去安大略湖野
营后，便对环境音效产生浓厚兴趣，之后很长一段时期内他在自己创立的公司下推出许
多反应环境主义的电影，并致力于反应自然的影视事业。在他40年电影艺术生涯接近尾
声时，却开始对音乐产生了兴趣，并一举突破，他的Solitudes系列可以说一下子蜚声四
海。Solitudes不再是寂静之声，它被真正融汇于一个更大范围的响应中。
  但是real fusion才刚刚开始。在主流Newage Music，比如象Enya,Yanni,Secret
Garden,甚至Kitaro,Enigma之外，还有一些早期实验性很强的音乐，它们基本可以说是
Newage Music最早的雏形，或者说是这一运动的导火线。一个是以Clobal Pacific，ECM
等爵士厂牌为代表的公司推出的室内爵士乐，另一个则是以Brain Eno为代表的Ambient

  Brain Enot与LaMonte Young从两个起点出发，最终也汇集到了一起。Brain Enot为
中心的试图用电子合成乐器的模拟音效制造一种氛围，以推动人的感官做出适当反应，
如置于被创造的虚拟环境或是体会自然环境的包围，而与此同时，从现代新古典音乐分
支出来的极微主义音乐（Minimalism ）则更早地由LaMonte Young带头，随后的Phillip
Glass和Terry Riley加以推动，声音被简化了，被重构了，在一个短小主题不断被重复
而又富有微秒变化的进程里，将可能的感官反应推向了极至。
  另一方面，一些fusion jazz开始在许多爵士唱片公司被推出，非常有代表性的，是
美国次中音萨克斯管演奏家斯坦·盖茨（Stan Getz），早年曾经受到Lamonte Young的
影响，后来同样也突破了禁锢，树立了自己的独特风格，带有民谣元素的爵士乐，并与
大批艺术家合作，许多公司都有他的作品发行，是真正具有实验精神的音乐家，他在
Newage音乐的发展上，也对后来者产生了很大影响。另一博采众长的爵士乐人是Keith
Jarrett，在他的音乐中可以感受到古典，宗教，乡村民谣等的影响，专辑《In The
Light》是一部颇具实验性的新古典作品，和他的科隆音乐会一样出名，这在以后曾经
影响了一大批走Neo-classic路线的音乐人，许多作品也被改编烂了。

  但是多数艺术家并不满足于现有成绩，总渴望有新的突破，而不同领域的合作则是
一个最佳途径。在更大范围内寻找合作，不仅仅使fusion在表面进行，也促进了更加深
层的融合。Phil Thornton，早期深受Kraftwerk，The Who等乐队的影响，在1985年之
后他连续发布了两张专辑：《Cloud Sculpting》，《Edge of Dreams》标志着他自我的
突破和涉及newage音乐制作的开始，之后在New World Music公司发表了一系列与众多艺
术家合作的专辑。有Newage领域里的Asha，Steven Cragg，与后者合作的专辑《Initiat
ion》以及《Tibetan Horn》，采用了澳洲土著的迪吉里杜管，突破了他以往柔和舒缓冥
想的风格。，与非洲打击乐演奏家Hossam Ramzy合作的两张埃及分格的专辑大概是我们
最为熟悉的，《Eternal Egypt》《Immortal Egypt》，并赢得了New Age Voice杂志的
世界最佳专辑的荣誉。real fusion正在潜移默化中进行。
  Ambient不再是一种单纯的音乐类型，已经成为一种特殊的音乐元素穿行在各种风格
的音乐中。也许我们如今很少再能看见过去那种经典的学院派的作品，但是我们在另一
更广泛的音乐空间内找寻到了它。Newage Music更为大众所熟知的正是以Ambient的核心
裹着meditation的外衣直达人心灵深处。将Ambient元素以及Ethnic风格更多地引入冥想
的空间，Paul Horn也是创造Newage Music空前影响力的人物之一。他于1967年移居印度
并深受印度教派禅定冥想的影响，从中获得灵感，以突破他之前的单纯爵士风格。形成
庄严肃穆的音乐风格。可能有人认为他仍然是传统的，然而从另一个角度说，他从世界
各地的古文明中获得灵感，如波罗的海大教堂，埃及金字塔，泰姬陵，这一创作方式对
之后许多家喻户晓的音乐家来说，是一先锋派行为，从宗教圣地获得灵感的Tim Wheater
吹着竹笛的Riley Lee，Nicholas Gunn 的大峡谷，Steve Roach在西班牙的洞穴捕捉风
的声音，Yanni在雅典卫城，很大程度受到这位先驱者的影响。

  正如Paul Horn身体力行的一样，音乐作为一种与人交流沟通的简介方式在Newage
Music领域里很好地获得了发展，对于促进各文化的交流传播起到了举足轻重的作用。尽
管我们说其中有不少误解和难以诠释的成份存在，但是，至少，Newage Music作为一种
音乐理念，正以全新的方式横扫全球文化传播媒体，我们在反省其演化和泛滥的同时，
也应该注意到这种效应，这也正是Newage Music 所应该被赋予的内涵和音乐理念。
  在这里所能谈论的只能是很小的一部分，就象Newage Music其本身概念一样的模糊
很多事物的开创需要更多人的不懈探索和合作精神。也许曙光就在对于一种文化的尊重
以及不断被更新的形式之下。

  最后我列一下本文涉及的参考文献以及一些权威性网站（其中已经包括了部分介绍
性文章），希望对于Newage Music感兴趣的人有所帮助。
  在此还要感谢水木清华BBS站上的harmoniker提供最新格罗夫音乐和音乐家词典的权
威性解释。

seff007 · 发表于 2005-6-14 20:53

新世纪音乐十日谈——摘自深圳商报

（一）

【编者按】 20世纪80年代我们听到了喜多郎，20世纪90年代我们听到了恩雅、雅尼，后来我们又听到了《神秘园》、《恩格玛》。这些散发着新气质和迷人魅力的音乐，像一股来自遥远异域的清溪，流过我们的城市，浸入我们的心岸。当初，我们沉浸在惊喜中，不知道它们是何方神圣，后来，我们才知道，它们被称作“新世纪音乐”。现在，新世纪音乐已然环绕在我们周围，但是对它们的介绍与评说却严重“缺位”。无论专业的音乐报刊，还是大众化的新闻媒体，给予的关注都很不够。为此，本版有了为新世纪音乐来一次集中补课的想法。对这个想法的落实，就是今天本版推出的专栏《新世纪音乐十日谈》。本版特别约请文化学者、新世纪音乐关注者段小光先生来撰写这个专栏。在专栏里，段小光先生将从文化学的角度介绍和考察新世纪音乐的产生、发展、音乐理念、艺术特征以及对当代音乐的影响。相信段小光先生富有诗意与思想性的评述，将给读者开一片新的视野，并将为本版添彩增色。敬请垂阅。

（二）

心灵交融——新世纪音乐的精神文/段小光

  新世纪音乐是在全球化背景下，对文化融合需求的产物。面对新世纪全球冲突的现实危机，文化开始发挥其“观乎人文，以化成天下”的作用。按照中国古代智者的理解，所谓“文化”者，即“言圣人观察之文，则诗书礼乐之谓，当法此教而化成天下也”。音乐，作为最心灵化、最人类化的艺术，在现代化和全球化的进程中，当是这种人文化成的先锋。新世纪音乐应运而生，它以心灵交融为精神特质，将各种音乐元素融为一炉，并从音乐上实践着传统与现代的融合、人与自然的融合、各民族文化的融合。传统与现代的融合。

  长期以来，在音乐世界处于主流地位的一直是以管弦乐为代表的古典音乐和以电声摇滚为代表的现代音乐。古典音乐阵营中还有各种乐器（钢琴、小提琴、大提琴、长笛等）协奏曲、室内乐和歌剧、舞曲等；现代音乐的队伍中还包括爵士、灵歌、乡村音乐以及形形色色的POP流行乐曲、歌曲等。古典音乐有其古典的真诚、崇高、庄重，也有其古典的沉重、缓慢、忧郁；现代音乐有其现代的动感、速度、轻快，也有其现代的躁动、急促、浅白。人类具有追求圆满完善的天性，艺术更以至善至美为其目标。

  新世纪音乐人努力尝试将古典音乐与现代音乐两相叠加，尤其是将古典音乐的韵律与现代音乐的节奏相融合，制作出一种清新乐风的音乐。比如：《神秘园》将巴赫的情怀、格里格的风格和德彪西的表现形式用现代电声乐器和配器方式加以演绎，表达现代人心路历程；雅尼则将电子合成器置放于雅典卫城现场，用轻快的现代节奏重新演绎古希腊厚重的文化。因此，新世纪音乐人实际上在音乐世界里开辟了第三条道路，它实现了古典情感的现代转换和现代律动的古典回归，成全了人们更宽泛的音乐需求和更广阔的想象空间。因此，也有人把新世纪音乐称之为音乐上的“第三流派”。

  人与自然的融合。现代化和全球化进程伴随着人与自然的紧张，环境污染和生态恶化日益引起人们的注意和警觉。现代派音乐已对环境问题高度重视，而且以一种反抗的姿态不断用激烈的音乐形式表达抗议。新世纪音乐的产生适逢艺术的发展进入后现代时期，他们对自然更拥有一份宗教式情怀，他们用忏悔的心境，和解的情感去呼吁关怀自然，并用人化自然和自然人化的对话精神身体力行，走向自然、亲近自然、诗化自然、吟颂自然，唤起人们对生态和环境保护的良知。新世纪音乐人大都是环保主义者，他们的作品都充满了对自然的关切。他们甚至不满足合成器对自然声的模拟，径直去山巅、河边、林莽、冰原采录风声、雨声、水声、鸟声，频频将其融入作品旋律和节奏中，用音乐表达他们的自然崇拜，表达他们的环保情怀。比如《班得瑞》乐曲中的风声自称是从阿尔卑斯山顶采录下来的，马修.连恩的《狼》和《驯鹿宣言》则在北美阿拉斯加冰雪世界采录下潺潺水声、哀哀鹿鸣，将其融入一腔拥抱自然的赤子之情，成全了人籁——地籁——天籁之交响。鉴于新世纪音乐这种深切的自然情怀，有人将其或将其一部分称之为“自然音乐”。民族文化的融合。音乐是最人类化的艺术，民族性仅仅体现在风格变化上。音乐应是融合民族文化、发现普世价值的最佳艺术平台。新世纪音乐人深谙此道，他们孜孜不倦地在各地采风，进行跨文化的交流、跨国界的合作，并将各民族的音乐元素加以拆解、提炼、重组、融合，从而在音乐之域率先实践着文化融合的过程。新世纪音乐人都喜欢将南美的排萧、苏格兰风笛、西班牙吉它、凯尔特木笛、日本的太鼓、中国的竹笛、非洲的战鼓嵌入其旋律中，新世纪音乐俨然成了音乐世界各种乐风和各种乐器的联合国。因此，有人将其或将其一部分称之为“世界音乐”。

  无论是“第三流派”、“自然音乐”、还是“世界音乐”，都体现了人们对新世纪音乐之心灵融合精神的认同，它恰如一股清流滋润了祈祷和平、渴望安宁的心田。在许多国家和地区，人们不仅将新世纪音乐当作音乐作品欣赏，也把它当作心理治疗的工具，用它来进行精神抚慰、心理疗伤。因此在西方国家，许多新世纪音乐作品在音像店并不多见，但往往出现在保健品商店和心理治疗所。

seff007 · 发表于 2005-6-14 20:54

（三）音乐清流——新世纪音乐的制作

如果说，心灵融合是新世纪音乐之道，那么，电子合成器就是新世纪音乐之器。现代电子科技的发展对新世纪音乐的产生和传播发挥着杠杆作用。当我们回顾音乐史时就会发现，乐器的变革和发展在音乐世界往往起着革命性的作用。1709年，钢琴的发明以及随后的发展，使西方音乐跨进新时代———告别巴洛克时期，进入古典主义时代，并启示着浪漫主义时代的来临。由此，西方古典音乐进入鼎盛期。因而，钢琴被封为“乐器之王”，几乎所有的古典音乐大师的创作都离不开钢琴。电子合成器的诞生与改进，对新世纪音乐的发展起着同等的作用。早在二十世纪中期，音乐人就开始利用当时磁电技术的发展建立电子音乐实验室，探讨新的声源、音效，用磁电技术制作新奇的音乐作品。60年代，初级电子合成器问世，它将音响、音高、音色、振幅、回响等一律自动化控制，化繁为简，使音乐人能够轻易便捷地制作编配音乐作品。80年代，随着微电子技术和光电子技术的发展，实时数字控制系统和各种乐声软件开始出现并不断发展，数字电子合成器应运而生。数字电子合成器成为现代音乐人的利器，电子音色合成对传统乐器的模拟几近完似，且发出现实音源无法企及的天籁之声，而乐音软件编程使得音乐人只须专注构思乐曲，通过编码输入即可实时听到电子合成的音效，并按指令使其自动进行调整编配，从而减少了大量非音乐的人工劳作和复杂的编配工作，使音乐人获得手工的解放和更大的创作自由。新世纪音乐人几乎都是电子合成器的高手。雅尼和喜多郎亲自登台、现场娴熟操弄电子合成器的潇洒身姿已通过电视为世人熟知；而不愿抛头露面、只用自己的音乐和人们交流的马修.连恩和罗夫兰等除编曲外也亲任键盘手，都亲自操持电子合成器，前者的《狼》、后者的《神秘园》，那无以名状的清新乐声都是他们自作自弹。但是，不论器物革命如何重要，它毕竟属形而下的层面，还需要形而上之道去开启。

  新世纪音乐作为一股音乐清流，拥有自己独特的音乐理念和音乐气质，这就是包容性和简约性。它们赋予电子合成器以灵魂。新世纪音乐以文化融合为其精神追求，以包容性为其音乐理念。它将传统和现代相融合，以第三派的姿态把传统和现代音乐的欣赏品味和接受心理调和起来；它将不同民族的文化和音乐元素相融合，超越了本族中心论的自以为是，使不同民族从不同角度而欣然接受；它将人文与自然、严肃音乐和通俗音乐、专业音乐与民间音乐、器乐和声乐相互融合，特别顺应现代都市人的心理需求和精神寄托，从而使其受众面突破传统的市场定位而大大扩展了。

  如果说，兼容性，成就了PC时代微软在操作系统的霸主地位，那么，包容性，则使新世纪音乐真正成为具有普世价值的新世纪音乐。新世纪音乐人都强调音乐制作上的简约性。《神秘园》的创作人说：音乐从本质上应当是简约而精致的，就像蝴蝶振翅，从一朵花飞向另一朵花。他们认为音乐是直接从内心深处流淌出的感情，音乐作品应当直接、坦诚地表达这些无以言表的内心情感。简约性是音乐制作的正途。因此，他们坚持简约性，拒斥叠床架屋的繁琐、暧昧费解的晦涩、生猛热辣的狂躁、轻飘肤浅的做状。对新世纪音乐人而言，音乐就是普世的宗教与哲学，它直接烛照每个人的内心世界，启迪良知，点燃智慧，为每一个人带来慰藉与理解。包容性和简约性的音乐理念表现在具体的音乐制作上，便是世界各民族大合作。新世纪音乐都是通过全球化跨民族的合作最后完成的。《神秘园》两位主创人分别来自挪威和爱尔兰；《恩格玛》的两位主创人分别是罗马尼亚人和德国人；马修?;连恩的人生哲学和音乐理念是“四海一家”，他的合作者包括北美艺术家、阿拉斯加原住民、中国南京民乐团，台湾专业演奏家和民间歌手、拉美艺人等。新世纪音乐人的工作室也建立在世界各地，就已知《神秘园》的工作室分别建在挪威的奥斯陆、冰岛的雷克雅未克、丹麦的克尔比、爱尔兰的都柏林、意大利的卡布里、英国的伦敦和美国的华盛顿。

（四）地球村歌———新世纪音乐的传播

十八世纪，钢琴的出现，使西方音乐走进新世代，并引发了十九世纪欧洲各民族乐派的崛起。二十世纪，电子合成器的诞生，使世界音乐跨入新世纪，并孕育着二十一世纪世界各种民族音乐的汇流。古典时期的西方乐坛长期为意大利、法国、德国、奥地利所把持，但钢琴革命使音乐的大门向欧洲各国洞开，波兰的萧邦、匈牙利的李斯特、捷克的德沃夏克、俄国的柴可夫斯基、挪威的格里格等纷纷登上西洋音乐的圣坛。

  现代音乐舞台一直是英美爵士乐、摇滚乐歌手主宰，但电子合成器则使新世纪音乐沿着全球化的方向发展，音乐新人辈出，爱尔兰的恩雅、挪威的罗夫兰、罗马尼亚的克里图、希腊的雅尼、日本的喜多郎纷纷从音乐领域的边缘走向中心，而且各国各民族还在不断涌现出新世纪音乐高人。新世纪音乐这种多元化方向不仅表现在创作群体上，也表现在接受群体上。传统音乐的受众有其明确的定位。古典音乐的对象主要是知识阶层和中老年群体，爵士、摇滚的对象主要是蓝领阶层和青少年群体。而新世纪音乐的对象则主要是中产阶级和中青年群体。中产阶级相对而言是最理性的消费阶层，也是最渴望社会安定、心理平衡的社会阶层；中青年群体已超越了青少年期的青春骚动，又未达到中老年人的老僧入定，既不再冲动又未达圆熟，处于人生的过渡阶段，也是生命趋于成熟的阶段，需要的是能够融合百态、调适心理、追求平和的文化产品。新世纪音乐正是为这批消费者度身定做的。而且，由于新世纪音乐具有包容性和简约性，它也吸引了一大批中老年和青少年听众；由于新世纪音乐具有人文关怀和自然情怀，它还吸引了许多知识阶层的听众。因此，新世纪音乐真正具有普适性和广泛性，成为跨民族、跨阶层的地球村歌，在世界各地毫无障碍地发展传播。

  新世纪音乐的广泛传播还与新世纪音乐人坚守自己的价值有关。他们大都有深厚的宗教情怀和哲学理念，他们不像浪漫主义那样着力表现自己的意志和想像力，也不像现代摇滚人刻意宣泄个人或集体的情绪，而是有意向古典主义回归，他们为人类的安宁、世界的和平而向超越者献歌，为普世价值圣咏。这种人生境界使他们思维开阔、心态平静、创作严谨、态度谦和，集中注意力于音乐本身而不是另类的个人行为和炫目的商业包装。同时，他们尊重听众的欣赏需要，信任听众的欣赏能力，精心做好每一首歌，每一张专辑，按照市场的需求和自己的真实感受收放有度地出版作品。他们既不是十年磨一剑的慢工细活，更不是一年铸十剑的粗制滥造，差不多每隔3至4年出版一张专辑，基本上符合音像产品市场的期待和需求。这些都使得新世纪音乐人获得良好的形象，这非常有助于其作品的推广传播。人们不再关注他们的个人行为，而只关注他们的音乐，不是被他们的商业行为煽动，而是为他们的音乐情怀感动。全球化背景下文化传播必须借助于大众媒体，新世纪音乐人始终与大众传媒保持着良好关系。尽管他们不着意于商业化的形象包装，不刻意通过电视媒体抛头露面，但他们从不拒绝为电视专题片甚至广告片制作音乐。他们认为新世纪音乐的特质有影像感，可称之为“无像电影音乐”，适合为影视作品配乐。恩雅早年就为英国BBC系列节目《凯尔特人》制作音乐并主唱，去年又领衔为好莱坞热门电影《指环王》演唱主题曲；马修.连恩曾为多部北美自然风光片配乐，也曾为拉美玛雅咖啡广告编曲并演唱；喜多郎则是因为电视片《丝绸之路》制作音乐而一举闻名，近年来又为电视片《寻访他乡的故事》配乐而再次被注意。通过与大众媒体的合作，新世纪音乐为电视电影所钟爱；通过大众媒体广泛传播，新世纪音乐为广大听众所接受，真正成为回荡在全世界的地球村歌。

（五）

星星点灯——新世纪音乐群星谱

当今音乐世界的主流仍然是爵士、摇滚，与其群星灿烂的景象相比，新世纪音乐尚处在星星点灯之状。但是，星星之火，可以燎原，星星点灯，可以漫天。新世纪，听新世纪音乐，因应天时，我们已感到新世纪音乐燎原漫天的大势。

商业市场上，最活跃的永远是掮客，文化市场亦不例外。新世纪音乐刚刚走向主流，文化掮客便闻风而动，将各种电子音乐作品或拼揍的音碟包裹上新世纪音乐的外衣投放音像市场。现在音像商店里，许多CD封套上都堂而皇之打着“新世纪音乐”的字样，而且有的还标榜具有心理治疗作用。当然，这种鱼龙混杂从另一方面也印证了新世纪音乐的漫天大势。其实，仰望新世纪音乐的星图，真正的星座并不多见，能够化为永恒的音乐人及其作品屈指可数。

许多新世纪音乐人并不愿把自己归类为“新世纪音乐”，担心被概念化。随着新世纪音乐的流传普及，人们确实开始把“新世纪音乐”当作一个无所不包的筐，把许多东西都朝里装。有人认为新世纪音乐简约清新，因此把许多清新悦耳的音乐归为新世纪音乐。比如陈美的小提琴表演，马友友的大提琴演奏，克莱德曼的钢琴曲，肯尼.金的萨克斯曲都被人称之为新世纪的音乐。其实这种单一乐器作品难以符合新世纪音乐文化融合精神，再加上他们或多或少注重商业演出而具有强烈的表演性，这些都为真正的新世纪音乐人所不取。新世纪音乐人关注的是音乐本身，他们常说：音乐就是音乐。

有人认为新世纪的音乐注意各民族音乐元素的发掘交流，因此把各民族典型的乐器或乐风分门别类地加以编配，并用电声乐器加以演绎，便将其贴上“新世纪音乐”的标签。比如时下各音像商场上市了许多“拉美风情”、“中东色彩”、“非洲意象”、“澳洲情调”之类的音乐专辑，并称之为新世纪音乐。其实，这种单一民族的音乐作品亦未达新世纪音乐“四海一家、民族融合”的境界。这些作品可以差强地归入“世界音乐”。

新世纪音乐仍在发展，边界尚未廓清，如何准确界定尚待来日。但目前流传的新世纪音乐与古典音乐和现代音乐比较，有着自己鲜明的音乐理念、音乐气质、音乐创作、音乐特征。

音乐理念。新世纪音乐注重人文关怀和自然情怀。因此，他们的乐境深刻而平和、真诚而开敞，确实达到乐而不淫、哀而不伤的境界。

音乐气质。新世纪音乐强调简约性，注重冥想静思。因此，他们的乐风不闷不躁、不愠不火，大有花开花落、云卷云舒、八风不动、气定神闲的气度。

音乐创作。新世纪音乐都使用电子合成器进行创作，并注重各民族音乐元素的开发、融合。他们按照自己的理念选择民族音乐的精华，并将其作为新的音源和意象纳入自己的音乐整体中，使之成为有机的活性成分。

音乐特征。新世纪音乐注重音乐理念、音乐元素的大融合。不仅是民族文化的融合，还有古典现代的融合、专业民间的融合、严肃通俗的融合、声乐器乐的融合。这种大融合实质上是一种对话。

根据这些特点，我们认为下列音乐人和作品大体可以归入新世纪音乐。

雅尼（Yanni）及范吉里斯（Vangeles），他们都是希腊人。希腊厚重的文化传统使得他们的作品带有大背景、大气势。雅尼的《雅典卫城现场音乐会》（YanniLiveAtTheAcropolis）和范吉里斯的《失乐园》（ConguestOfParadise）都是用电子合成器演绎史诗般的乐章，从而用现代节奏体验传统文化。他们常与大的乐团和合唱团合作，强化了历史与文化的背景，但也少许显得有些渲染。雅尼经常亲自登台表演，有些炫技色彩。

喜多郎（Kitaro）是日本人，他因《想念你》（ThinkingOfYou）专辑获2000年第43届格莱美新世纪音乐奖。上世纪七十年代未他去德国演出时第一次接触到电子合成器，从此不弃不离，坚持用这种利器表达日本音乐情怀，并与西方音乐展开对话。1978年，他的第一张唱片《星际旅行》（AstralVoyage）面世，开始展示自己的风格。1980年的《丝绸之路》（SilkRoad）在东西方乐坛均产生较大的影响，奠定了他在新世纪音乐中的地位。九十年代，喜多郎移居美国，1991年，他推出《生活在美国》（LiveInAmerica），其中一首《响宴》（Matsuri）成为新世纪音乐的经典曲目。喜多郎是位高产音乐人，自第一张专辑推出后，迄今已出过几十张唱片，有时显得过于依赖电子合成器。而且，喜多郎对传统音乐的开掘几乎完全仰赖日本音乐，太鼓、尺八是其经常选用的乐器。

“班得瑞”（Banderi）是一支来自瑞士的乐队，它高扬自然音乐的旗帜，乐风清丽、明快，具有鲜明的欧洲自然风光的色彩。但其作品推出很多、很快，往往显得火候有欠，升华不够。

“深林”（DeepForest）是一支法国乐队，它由两位出色的键盘手组合，将环境音乐、技术音乐、舞曲音乐和流行音乐的各种特点糅合起来，尤其是将非洲音乐元素置于音乐意念，制作出旋律和节奏非常有特色的作品。但其新作推出太少，往往使人忽略它的价值和存在。

秉持新世纪音乐特性，洞察新世纪音乐星图，我们发现真正代表新世纪音乐方向，能够称作新世纪音乐星座的当属———“神秘园”、“恩格玛”、恩雅、马修.连恩。按时下称呼习俗，可将其称之为新世纪音乐四大星座。

seff007 · 发表于 2005-6-14 20:55

（九）

行吟四方——新世纪音乐代表：马修.连恩

与其他新世纪音乐人相比，马修.连恩（Matthew．Lien）的音乐作品无意抽象，而更加具象；不乏空灵，但平添了责任感；强调人文关怀，更关注自然生态。他展开了自己的新世纪音乐的旗帜，上面用音符写着：“关怀自然就是关怀人类自己”。

马修.连恩出生在圣地亚哥，但音乐天分、人文关怀、自然情怀使其不安于温暖的环境、舒适的生活。受自然的召唤、原野的呼喊、良知的祈使，他向北、再向北、向加拿大北部与阿拉斯加行走，边走边唱，从而成就了一个著名的环保主义者，一个行吟四方的哲人歌手，一个成功的新世纪音乐人。

马修.连恩的音乐理念一如他的人生理念：四海一家。因此，他对音乐传统的继承和汲取也是多元化的。由于生活在北美，所以他对以北美为重镇的现代音乐十分了解，对爵士、灵歌、乡村音乐乃至摇滚都有借鉴；同时，他又云游四方，对拉美民歌、北美原住民歌谣以及亚洲民歌民乐都有吸收。因此他的音乐不拘一格，但又有他自己的风格，这既表现在他大量采用自然声并用自然的韵律编配乐曲上，也表现在他独特的声音上。他的音色有阅历感但并不显的沧桑，他的声线平和但又很有磁性，有论者称之为“被自然吻过的嗓音”。

从20世纪90年起，马修.连恩每年都要和一批艺术家，包括音乐家、画家、摄影家结伴而行，行程超过1250公里，足迹踏遍加拿大育空地区，卑诗省和阿拉斯加。在那里，他与自然对话，采录下冰山位移之声、冰河破裂之声、山溪淙淙之声、驯鹿嘤嘤之声；在那里，他目睹了石油的开采使原野生态被破坏，人性的贪婪使野生动物遭猎杀，深感泣血之痛，情动于中而形于言，言之不足而后歌之，他将一腔肺腑之声诉诸天籁。

1995年，马修.连恩推出名为《泣血之狼》（BleedingWolves，街面上的CD简译为《狼》）的专辑，一鸣惊人。他直接向大自然寻求灵感，对生态、对自然的关切跃然旋律之中。“飞鼠溪”本是北美育空河川地区的一支美丽的小溪，马修?;连恩用音符把它化作一首清新轻快的乐曲，体现人与自然的亲和。《布列瑟农》已成为作者的经典性歌曲，它代表着马修?;连恩的演唱特点：“喜怒哀乐之未发，谓之中；发而皆中节，谓之和……致中和，天地位焉，万物育焉”。用平和的韵律抒发强烈的感情，像自然那样去表达自己。《泣血之狼》是一首悲愤之作，它用钢琴，民谣吉他和高音萨克斯管控诉贪婪之人对野生狼群的蓄意谋杀，它记录了人对自然的摧残。但它仍是马修?;连恩式的音乐表达：乐而不淫，哀而不伤，发而皆中节，愤而不失度。不仅仅是控诉，更多的是要唤醒人们关爱自然的良知。

马修.连恩不仅关注自然，也十分注重人文关怀，注重北美原住民的生存环境和文化保护。在加入与原住民生生相息的“驯鹿栖息地计划”的同时，他也收集整理当地的民谣和民乐并邀请他们一起登台演出。1997年，他到中国内地与南京民乐团合作，展开东西方音乐的交流之旅，希望从古老的中国文化、中国音乐和中国乐器中寻找新的灵感和力量，将他的自然关怀理念和环境保护行动进行到底。这些活动成就了马修?;连恩两个新的专辑，1998年的《汇流》（Confluence），我们从中听到各种中国民乐已加入到马修?;连恩文化和自然关怀。1999年的《驯鹿宣言》（CaribouCommons），它一以贯之地体现了作者源于自然、回归自然、讴歌自然、关爱自然的理念和情感。

1994年，马修.连恩又赴中国台湾，完成环岛采风之旅，与台湾本土音乐人和民间艺人合作完成新的专辑：《海角一乐园》（VoyageParadise），听着旋律中流淌的台湾歌仔戏、山歌、民谣，听着乐曲中起伏的月琴、扬琴、椰胡声，使我们油然而生亲切感。

2001年，马修.连恩的演唱专辑《真心剖白》（InSoManyWords，又译《旅程》）出版，他依然用他平和自然的歌声表达友情、亲情、自然之情和反战、环保的理念。

2002年，《感触地球》（TouchingTheEarth，又译《美丽新世界》）推出，它记录了马修?;连恩在非洲、拉美、亚洲的四方行吟。《大地之母》、《生命共同体》、《花与溪》、《自由》等乐曲、歌曲都非常有特色，它们把非洲的鼓声、拉美的排箫、亚洲的钟声织入旋律，而且土风、民谣、爵士、摇滚各种风格也恰如其分的融为一体。

马修.连恩影响最大的专辑还是《泣血之狼》。在这张发行遍及全世界的专辑中，封套上有一首诗作，上而写道：“加拿大，育空大地／狼群目睹同伴的身影倒在人的枪下／它们眼神中／没有恐惧，只透出冷静／那是原野上的傲气，天生的野性／随风而去吧／在尚能在原野奔跑，血流未尽之时／回首凝望／无法舔尽同伴的鲜血，就带着它的灵魂浪迹天涯。”读这泣血之作，听这泣血之乐，让人久久难以释怀。

（十）希望之路——中国新世纪音乐道路

有人说，新世纪音乐是为中国音乐市场量身订做的。这或许因为中国音乐向有简约化的传统，适于我们听觉接受；又或许意味着新世纪的中国将是文化冲突的阵地，是文化融合的福地。但是，当新世纪音乐如江河行地般成为新世纪的音乐的时候，中国人只安于坐在听众席上吗？

  中国是一个文化资源和音乐资源大国，在全球化的背景下，在新世纪音乐的潮流下，我们面临着将文化资源转换成文化财富和经济财富的历史机遇。如果我们稍有迟钝和怠懈，立刻就有他人越俎代庖来做这份工作。世界各地的新世纪音乐人已经在行动了。《神秘园》回响着笛子和巴乌，马修.连恩借用扬琴与椰胡，喜多郎沿着丝绸之路抒发自己心中的想像，恩雅望着中国玫瑰感悟一花一世界的心境。还有一位澳大利亚音乐人诺尔.昆兰（NoelQuinlan），长期住在香港，研究中国民歌，他索性用电子合成器将中国民歌《康定情歌》、《高山青》等重新完整演绎一遍，既保留了中国民歌的简约悠扬，又颠覆了中国乐风的缓慢节奏，从而成就了一份中式西做，别有风味的现代音乐快餐。

  从当前音乐文化发展的方向看，投入新世纪音乐的潮流，将是我们开发自己的文化资源和音乐资源的最好机会，也是我们在全球化的背景下完成文化产业建立和文化市场开发的最好机会。其实我们与新世纪音乐的接触并不晚，但从不亲密到亲密差不多经历了20年的过程。早在1981年，法国音乐人让.米歇尔.雅尔就带着他的电子合成器在北京和上海举行两场音乐会，在当时的文化氛围里，面对那种不重旋律、音色奇怪的音乐，尽管我们未能立马接受，但也在中国的听觉空间留下印记。1985年，中央人民广播电台立体声调频节目试播，开始介绍一些新音乐，其中，德国詹姆斯.拉斯特轻音乐团的作品广受欢迎，他们的音乐就是新世纪音乐。他们坚持把世界各民族的经典乐曲用德意志的音乐意念加以改编，制作出清新优美的音乐。其中，他们自己创作的那首《蓝鸟》曾在校园里广泛流传。后来，喜多郎被引进来，90年代初，恩雅也被引进来。直到雅尼带着电子合成器到北京紫禁城现场演出，中国人终于开始普遍接受新世纪音乐的理念和作品。同时，中国音乐人开始尝试新世纪音乐的制作。90年代中期，上海音乐学院的何训田和歌手朱哲琴，深入青藏高原寻访采风，采录下喇嘛诵经声、信众祷告声、藏鼓藏号声，获得灵感和启示，制作出令人耳目一新的《阿姐鼓》。朱哲琴以达达娃（Dadawa）为名主唱，1995年在欧洲演出引起轰动，《阿姐鼓》在欧洲成功发行，热销一时，外国乐评称“中国新世纪音乐开始崛起”。

  但几年过去了，他们除推出一张与前作相形失色的《央金玛》外，未有传薪之作续上，亦未有后继者出现。尽管中国音乐人如谭盾、瞿小松等在国际乐坛上也获得过大奖，取得过成功，但他们的音乐还不是新世纪音乐。他们在电子合成器的运用方面功力不够，对新的音源开发有欠，而且停留在文化寻根的心理层面，未能深入了解、吸纳其他民族的音乐元素，并将其与中国传统音乐有机地融合起来。我们更多的音乐人则着力于商业行为和宣传任务，在商业包装和政治包装上狠下功夫，在流行音乐的圈子里来回穿梭。但是，正如电影就是电影不是武打一样，音乐不是商业、不是政治、不是哲学，也不是电影、不是戏剧、不是小品，音乐就是音乐。要进入新世纪音乐首先要在音乐上下功夫；要在新世纪音乐上取得成功，还要在以下几个方面努力。音乐理念。超越商业和政治的思考，上升到艺术良知的自觉。要有广阔的人文关怀和自然情怀，要有强烈的创新意识和超越精神。电子合成器。追踪现代音乐科技的发展，熟练运用电子合成器，并用音乐理念驾驭它，寻找新的音源和新的创作编配手段。跨文化交流。走下去，深入各少数民族地区、深入基层，与民间艺人交流；走出去，走向欧美亚非各国，与各民族音乐人对话，进行跨民族跨文化的融合式音乐创作。集体意识。形成新世纪音乐的集体意识，以旨趣相同为基础联合起来，形成研究群体和合作团队，联袂展开新世纪音乐的自觉创作。

  据传，深圳将举办国际音乐节，这将是深圳文化之盛举。如果此传不虚，那么深圳国际音乐节的主题应毫不犹豫选择新世纪音乐。如前所述，新世纪音乐的崛起是中国音乐走向世界一次最好的机会，而深圳作为中国改革开放的桥头堡，作为一个新兴移民城市，若要在音乐文化上有所建树，也应该走新世纪音乐之路，这是一条希望之路。目前，中国新世纪音乐的市场正在形成，如果深圳人能抓住机遇，形成集体意识，就大有可能创作出有中国特色、中国风格、中国气派的新世纪音乐。

————全文完

wangye1863 · 发表于 2005-6-14 22:44

好贴！！！学习了！！！

lazycat · 发表于 2005-6-14 22:59

不错，new age更多的是一种融合。

见风使 · 发表于 2005-6-14 23:06

好长啊....得慢慢看.不然消化不良

zifeng843 · 发表于 2005-6-16 11:54

我也开始转向new age了

zifeng843 · 发表于 2005-6-16 11:54

我也开始转向new age了

adi · 发表于 2005-6-16 12:48

我把它打印出来了,慢慢看

kossfans · 发表于 2005-6-16 21:00

New Age确实是一种超脱现实能洗涤心灵的音乐
可是我们这里没看到原版的卖
要不很有收藏价值

251776674 · 发表于 2005-6-16 21:42

好帖要顶

coldmetal · 发表于 2005-6-22 09:30

雅燃上抄的吧

seff007 · 发表于 2005-6-23 20:46

下面是引用coldmetal于2005-06-22 09:30发表的:
雅燃上抄的吧

应该是把,也网了,你经常去雅燃的??

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