古典CD分享及版本鉴赏 - 长桥卧坡（持续更新中、、、、）

gdyy223

先回答一版友提的两个问题，文字计只简说。
一、d小调第一乐章主部主题与副题：自然，奏鸣曲式一般以双主题模式为主，但到浪漫时期发展变化很大，有三个主题甚至更多，也有以主部主题与副题开启模式，具体如何划分要看内容与调式。
d小调第一乐章呈示部，应该是乐队呈示主题副题钢琴呈示第二主题的安排，开声整个乐队呈示的是一个主题群而非仅仅第一主题，这样庞杂的容量用单一主题解释不了，它在一个完整的框架下本身包含着冲突与平衡两个概念，只有用主题副题模式才能把这两个概念分清楚说清楚，风暴般的主部是确定性动机性的，抒情的副部是对比性的，有音乐在，可以仔细感觉下，而副部呈示后音乐再一次回到主部并引出快速段落，无误的说明这是包含着副部的主部主题群。

调性上看，乐队呈示的主部是d小调，开声定音鼓与低音贝司的调是定在ra上，其间过程有转调，但基础调是d，最后收音落在d小调主音上，说明着一个完整调式的完成，也就是说一个完整主题呈示的完成，紧接着钢琴呈示的第二主题是什么调？F大调对吧，F大调是什么？是d小调的平行关系大调，那么，奏鸣曲式双主题调性关系的一般原则是什么——主调与属调关系，从调性上可以判断，钢琴弹奏的是第二主题也确定无误，同时也说明，1.10分乐队呈示的只能是主部副题，不可能是第二主题。

二、关于勃拉姆斯的古典主义创作风格：说清楚很码字，只简单提示，古典风格创作与浪漫主义创作的基本区别能说一堆，但简单的区别在于音乐形式是否均衡严谨统一，古典风格的音乐为艺术而艺术，创作灵感来自音乐自身，浪漫乐派的音乐为思想而艺术，创作灵感大多源自音乐之外，弄清楚这点非常重要，这是勃拉姆斯与李斯特、瓦格纳之间明显的本质的区别，这个不用举例，翻翻作品，比比皆是，既使从容易引起岐义的音乐表情上说，如：d小调第一乐章主部主题的表情含义在古典风格作品中虽极罕见，但它仍然属于纯音乐的，它改变了表情含义但并未改变表情的性质，而柏辽兹、李斯特、瓦格纳则明显改变了表情的性质，它们的表情因素更多与具体的标物相连，而不再只为音乐而音乐，两者之间在这方面差别的例子同样比比皆是，古典主义若从菲利普·巴赫算起到勃拉姆斯这已经有100多年，音乐形式早以发生巨变，勃拉姆斯自然迥异于海顿莫扎特，就像现在人不会再穿长袍马褂，但它不迥异于贝多芬，而与瓦格纳绝不相像，既使与布鲁克纳也桃李不同，各参一枝，不要忘了，他们生活于同一个时代，不可能不沾染浪漫主义音乐语汇，你甚至可以说他在用古典主义的瓶装浪漫主义的酒，但这样的区别已经属本质区别，就如中美之间价值观之差距，如若云泥。

吉列尔斯以钢琴与乐队双优的效果被视为同曲版本的首选，公平讲，该版确有经典相，70年代吉列尔斯演奏风格发生一些变化，不再只靠砸键博彩声，渐趋于理性与内敛，这套正是录于此时。演奏可谓举重若轻，每位听者都能明显察觉他在难度甚大作品面前那份挥洒自如，钢琴浸透着梳理的美与理智的美，特别是空间感非常突出，听别家的是“普通银幕”，听他的则无疑是“宽银幕”，他与约胡姆为听者提供出了更为宽阔的画面和更为丰腴的内容，录音相当好，由于有录音大牌H·Pfeiffei 参予指导，两个声道拉的很开定位又好，柏林耶稣-基督大教堂的混音条件名不虚传，20年来为DG留下太多好声。

第一号开声就拍手称绝，合奏密不透风，小鼓与弦乐把织体崩的紧紧的，既有弹性又编造出惊骇的紧张度，满弓满力的喧嚣反衬着后面主部副题的舒缓平稳，约胡姆不愧为老牌指挥，对得起此作的交响性与青年勃拉姆斯的炽热情怀，同时也为钢琴在两端的张弛铺平了道路，节奏之稳健也颇显老到。我尤赞赏钢琴的弱奏部分，就是那么自如的吟唱，演奏生涯晚期的吉列尔斯真是脱胎换骨，而激昂起来琴键的力度则是一本家传，在我听过的版本中，沉静如水与力憾千钧相互交织，同时又大为扩充交响性特征的，尤数吉氏与约胡姆有把握。钢琴没有阿劳那样多的变化，因而自然自如，你听不出雕琢的痕迹，阿劳的第一号过于雕琢却并未提升演奏的辨析力，但他的第二乐章反因雕琢而纯粹可人，演奏这东西，你可精细如工笔，可自然如流溪，可挥毫泼墨，也可简约至惜墨如金，无论哪方面，文章做恰当既可，不宜过之，某些时候留有余地更聪明，也更艺术。

第二号更加出色，完全成熟的艺术家演奏这部艺术上完全成熟的作品听来真是过瘾，到处一派熟透了的样子，意大利的火般热情与中欧幕尼黑山脉沉稳的夕阳景色被艺术家那么奇妙的融合在一起，透着斑驳陆离的光泽与巴伐利亚黑啤酒的醇香，听听吉列尔斯的钢琴，重键部分仿佛不是弹而是砸，却又砸的艺术，砸的坚实有根基，这才叫丹田气息，才叫力度。

音源链接：https://pan.baidu.com/s/1vSAfdzuDEOHyLOtwW0-qbg?pwd=g0pi

gdyy223

伯恩斯坦马八有两版，一是1966年CBS伦敦交响乐团版，一是1975年DG维也纳爱乐乐团版，维也纳版是1975年在萨尔茨堡音乐节上实况录音，这两个版我个人常听966年CBS版。

现如今，马勒专家头衔有点缩水，演奏了几部马勒就成了权威，国人指挥也有人愿意把这顶帽子往自己头上戴戴，殊不知在马勒这建立权威是非常难的事，诠释马勒难度很大，成为专家难度更大，它绝不仅仅是理解、演绎的事，演奏马勒是个系统工程，它几乎囊括了音乐音响与世俗情商的方方面面，用评鉴版本的三大要素——理解、演绎、效果来评鉴马勒都显得不完全，而且马勒版本还要接受时间的验证，有的版本问世即获好评，但随时间推移却名落孙山，这样的版本为数并不少，因而我以为，尽管马交版本多到难以数计，演奏马交的指挥能排一长串，但能称之为专家或权威的寥寥无几，而伯恩斯坦能占一席。

业界对伯恩斯坦马交总体评价不算很高，一主要理由是认为伯恩斯坦在其中注入太多主观因素，导致情感泛滥，他的马勒确实蒸发着情感的热流，每到“临界点”往往摇摇欲坠，乃至于你很难分清这是马勒还是伯恩斯坦，有评论担忧不无道理，任何演奏，若一再冲击“临界点”，又不能有效收回来，你就难于判断这是适当的激情表达还是过分的情感泛滥，收与放是一个整体的两个方面，不管是收是放，只有恰当的适度的才合理，但啥事不能绝对化，判断版本的标准一样不能绝对化，僵化的绝对本身就包含着某种不合理，对伯恩斯坦马交的几个版本就并不适合用僵化的标准去套，伯恩斯坦偏于情感化的表达恰恰与马勒精神世界中种种难以调和的矛盾与偏于情感自述的音乐特点、形成相互观照与相互融通，他的你中有我、我中有你也就有了演绎的合理性，这是伯恩斯坦解读马交的基础，反到形成伯恩斯坦演奏马勒最明显的特色，正是凭着浪漫与情感这两把剑，马勒权威这顶帽子戴在老大师头上几十年，时至今日，不仅仍无人能替代，反而愈发觉得恰当，愈发觉得非他莫属，而我们在这版CBS的马八中就看到了他棒下马勒的独到与自身特点。

第一部分的旨意很清晰，在坚定而富于情感的音乐语汇中，表现出浓郁浑厚的浪漫色彩，我总感觉伯恩斯坦有意淡化马八的宗教属性，从中注入类似于歌剧的戏剧性成分，又相应增添了感性色彩，人声部分咏叹调的味道很浓，宗教性的那种升滕与直观反而隐去了，他的诠释更加接近于歌剧，有着类似于威尔蒂那样的男性气息与胸腔共鸣的浑厚，从声音上看，无论是人声还是管弦乐，音型与色彩都“磨”的非常圆，显然属浓墨重彩，也显然是大轰大鸣，但又迥异于索尔第那样的大轰大鸣，可以这样讲，伯恩斯坦把浪漫主义后期激进管弦乐派的音乐特点——浑厚繁缛、交融浓郁的氛围作到了极至，没有其他指挥家像他那样把这首马八诠释成具有史诗般雄浑宏伟的历史正剧，若仔细品味了这几版马八，你或许能了解同一部作品由不同艺术家诠释，表现出来的意旨与效果竟如此不同，某些乐段甚至从根基上改变了理解的广度与深度，你也才能真正体察马交的多版本试听对于理解马勒、对了解不同版本的艺术特性、以及他们不同表现力与艺术效果有多么重要。最后几段的激情与炽热令人热血沸腾，几位歌唱家以强大的合唱营造出响遏行云般的巨大声浪，锋利的乐队、强大的管风琴共同将演奏一次次推向高潮，而正是最后这几段，我们才清晰感觉到奔涌于伯恩斯坦心中的神性与几欲脱离开地心引力的升腾，作曲家与指挥家的意念此时此刻紧紧契合于一体，因而所表达出的气度与力量都是惊人的。

第二部分乐队织体粗呖但笔力鲜明，意念的集中度不错，不足在于开声小提琴震颤音稍显淡了，而管乐声部也就相应凸显，和声在层次上显得少一层，以我看，这一大段器乐部分本应突出复调的层次，好在并未明显的弱化，只是略显倾斜，而且合奏的情感性不错。在演奏的设定上，第一第二两个部分用力强弱均等，没有有的版本第二部分偏弱的现象，而诠释的脉落走向很明确，每一乐段都做的聚精会神，沉静部分你甚至能觉查出几分精致，人声尤其令我满意，合唱团与童声合唱都是高水平，几位独唱实力不俗，相对器乐部分除第一乐段的层次外，中间有两三乐段感觉一般，如第四五乐段就显的滞了，但总得看这么庞大的乐章没有明显疏露，乐队的情感性很好地烘托了人声的主旨表达，越到后面越趋向浑然一体，著名的尾声两段不用多讲，伯恩斯坦制造的“飞船”，总能承栽着比别人更多的情感份量，酝酿的过程更为充沛完满，冲力更强，飞的更高，直的冲向无垠的宇宙穹空。

在马八愈来愈被人接受、版本也愈来愈多的当下，这个录自1966的唱片不仅未被埋没，反而越发显出在浪漫情怀与自然诗意抒发上的超能能量，特别是来自伦敦歌剧院名声并不响亮的几位独唱，而伯恩斯坦略慢又恰当的节奏给予人声充分而又自由的放声空间，男高音约翰·米奇森的朝气、格温尼丝·琼斯的圆润且高亢、耶娜·斯普琳贝格如羽般的轻柔，都给我很不错印像。


相对DG公司1975的萨尔斯堡现场版更有市场与拥趸，这个录音的确有过人之处，特别是第二部分最后两章节Blicket auf zum Retterblick 和 Alles Vergangliche 曳风摧情的魅力，几乎没有版本可匹敌，其中女高音普赖斯与布吕根的表演当属典范级别，整个演出更有激情也更富于气势，维也纳爱乐团的确比伦敦交响乐团准备的更充分、声部合奏更老到，几位独唱不仅名气响亮，实力也的确盖过1966版，如赫尔曼·普莱（男中）、范·当姆（男低）、肯尼斯·李格尔（男高）等都是赫赫有名的唱将，就更别说维也纳这几个无可挑剔的合唱团了，但若论听感，整体上我个人（仅仅我个人）还是1966版更易入耳，它在温暖与诗意上，更为熨贴人性，也更有人文气息。

CBS版：
第一女高音：耶娜·斯普琳贝格、
第二女高音：格温尼丝·琼斯、
女中音：格温耶丝·安奈尔、安娜·莱诺德丝、诺尔玛·普罗切特
男高音: 约翰·米奇森
男中音：弗拉迪米尔·鲁兹德亚克
男低音：多纳德·麦克伦耶尔

管风琴：汉斯·沃伦维德

林德节日合唱团
伦敦交响乐团合唱团
海格特中学童声合唱团
芬利奇儿童音乐团

伦敦交响乐团\ 伦纳德·伯恩斯坦

CBS版：https://pan.baidu.com/s/1d4u4KavQVbrlbpH8Ppwzqw?pwd=uiz5
DG版： https://pan.baidu.com/s/1hnT9zAXiCWViwHHa8crNlA?pwd=thhv

gdyy223

MusicAV 发表于 2024-5-12 13:33
芝加哥后来由索尔蒂指挥的那版音效也不错，特喜欢听他那段波兰牛车，DECCA早期的数字录音，音色就是少了些 ...

同感，如是说听来听去，从整体性和动态幅度还是这老二位地道，其它好版也有，慢慢听

gdyy223

bomberb2 发表于 2024-5-11 17:12
左边第一瓶 64.1度，中间 62.6度，右边 46度，

苏格兰法律规定，Scotch Whisky  苏格兰威士忌，必 ...

谢谢老兄，我对西酒不懂，长见识了。

gdyy223

decnpo 发表于 2024-5-11 17:34
老师满腹经纶、潇洒活脱、光明洞彻！

谢谢！

gdyy223

spendor 发表于 2024-5-11 21:44
敬佩楼主的才学，也很想知道楼主平时用什么方式听音乐，耳机或者音箱系统？

现在是耳机，森海塞尔

lam8888

谢谢分享。

MusicAV

芝加哥后来由索尔蒂指挥的那版音效也不错，特喜欢听他那段波兰牛车，DECCA早期的数字录音，音色就是少了些温暖。
莱纳和卡拉扬（70s模拟版）的如是说都不错，引子日出最后一击的鼓声卡拉扬那版很有力，第2段乐队齐鸣时卡拉扬那版的震撼力更强些。
卡拉扬录有一部穆索尔斯基的鲍里斯戈都诺夫，TAS，足足需要三张碟，最后一幕的大合唱加男低音，不亚于卡门。

gdyy223

先介绍几句作曲家及作品：

穆索尔斯基（1839-1881），5岁习钢琴，9岁登台，13岁创作出第一部作品《陆军准尉波尔卡》并公开发表，16岁参加俄新乐派“5人强力集团”，后追随巴拉基列夫学习作曲。
他生活在俄动荡时期，政治倾向深受车尔尼雪夫斯基影响，热衷对社会热点问题参与讨论，因而音乐创作形成具有尖锐**倾向与现实主义的创作风格，他的两部歌剧《鲍里斯·戈东诺夫》《霍凡兴那》是其代表作，器乐作品不多，但却以绘声绘色的风土人情与形像化写作手法著称，相反到比他歌剧影响大得多，对俄管弦乐作品发展具有重要意义。
但在生活上他属典型失败者，生活能力极差，谋生乏术，因而终生穷困潦倒，衣裳滥褛，甚至曾栖身街头，过着流浪汉生活，于1881年因酒精过度与贫困去世。

《展览会图画》创作于1874年，原作是钢琴套曲，迟至他死后的1886年才首演，首演反响平平，此作大红大紫是因1922年拉威尔将其改编成管弦乐，因新颖优异一炮而红，后又有六位配器改编者，但最终流行的还是拉威尔版，同样效果不俗的斯托科夫斯基版与列奥·冯特克版录音现在已经极罕见，其它的改编版基本绝迹。
这部作品以哥特式的管弦乐色彩，多变而富冲击力的诡异节奏，形象化的景物勾勒与丰富的音乐感染力而深受爱乐者喜爱。

此作是穆索尔斯基为其好友——画家与建筑家哈特曼一组遗画展览而作，共15首曲目组成，用音乐描述了10幅哈特曼的画作，并以4首“漫步”的间奏作为桥段连接，每一首都栩栩如生，引人入胜，我尤惊叹作曲家超凡想像力，他怎么能在这么简朴的画作面前谱写出如此音律斐然的激情杰作，答案只有一个——穆索尔斯基是在通过作品，以一个待亡人的身份与亡友哈特曼在对话！倘从这个角度细品体味，此作内蕴意旨便豁然开朗。

《图画展览会》所涉及哈特曼10幅画作大多已遗失，留下的只有《小鸡之舞》《两个犹太人》《墓穴》《女巫的小屋》《基辅的大门》，仅就这几幅画所对应的音乐来看，画作的暖色厚实与音乐的冷傲多姿形成强烈对比，音乐的内蕴涵义较之原画作大为拓展，它赋予原画更深层次也更为抽象的艺术挖掘与思考，其二，许多曲目都具有脱离开原作的额外含义，这一部分体现出穆索尔斯基对社会现实的绝望思考和对密友哈特曼之死的倦恋不舍，音乐中大放异彩的恰恰是这一部分，比如第二曲《侏儒》，哈特曼画笔下的侏儒是一个雕刻在核桃上的侏儒玩偶，用于装饰圣诞树，而穆索尔斯基的音乐则将其大为丰富了，它赋予这个畸形的小人物以极为深刻复杂的内心世界，艰难笨拙的步态与画作有直接联系，但音乐所表现出的内心的孤独与绝望则是作曲家自己的，穆索尔斯基显然大大提升了原画作的内涵层次与思想含义，这样的丰富与提升在10首作曲中比比皆是，较突出者如《牛车》《两个犹太人》《小鸡之舞》《墓窑》《女巫》等，特别是《墓窑》与《女巫》，堪称用音乐手法描绘景物画作的辉煌典例，同时，它的精神旨义灼灼闪光。

如果不是穆索尔斯基，我相信现在没有人会记起哈特曼和他的画。

《展览会图画》以音效突出而形成特色，同时，由于它对原画作开拓性的写作，因而评判鉴别版本，这两点均不可忽略。而在这两者间平衡性最优异的，我个人最欣赏弗兰兹·莱纳率芝加哥交响乐团1957年12月7日在RCA的录音，先勿论别的，看看这套录音班底，就知道录制水准不会低，制片人：理查德·莫尔，录音：刘易斯·莱顿，后期制作：约翰·普菲菲，艺术监督：纳赛尼尔·S·约翰松，工程师·安东尼奥·萨尔瓦多雷，个个是炙手可热的录制大家。而莱纳最后10年与芝加哥交响乐团创造的辉煌令人瞩目，他在这期间录制的每一款唱片都是精品，这版《展览会图画》既有灿烂的管弦乐声响，又有充分的理性把握，实属不可多得。

节奏把握莱纳显然比库贝利克稳健，它赋予作品恰当的动态与色彩，《侏儒》的速度慢下来，但奇绝与凶猛的气氛不减，甚有光彩。《古堡》演奏颇令人浮想联翩，萨克斯和弦乐的平衡甚好，画面昏暗而温馨，若夕阳西下，暇思翩然。《波兰牛车》沉重气息似乎不够，但由远至近又渐远的过程异常清晰，而短小的《鸡雏》演奏甚有风趣，可以这样说，就演奏的动态感而言，在众多版本中，莱纳的演奏不是最雄健有力，却是最简约而恰到好处的，如《墓窑》《女巫》都不以动态取胜，又都魅力四溢，略嫌不足的还是《基辅大门》，偏弱，并未充分发挥芝加哥交响乐团铜管与击打乐器的威力。
好录音的标志并非是一味提升动态与幅度，而更在于背景与细节拾取，背景一尘不染，音乐的细节与空气感才会彰显出来，什么叫“逼真立体声”？立体声绝非只简单理解为“双声道”，好的立体声录制，你能感觉出浓郁的空气感，声音从四处传来，每一声部都有准确的定位，音场自然，在你面前就像是管弦乐队在演奏，而这一切的前题很大一部分就得益于背景清晰，这版《展览会图画》就以优异的声音效果告诉人们什么叫“逼真立体声”。

卡拉扬1966年与柏林爱乐团版都值得首荐，我以为是他三个录音里最好的，当然他1986年的数码版音响之自然与演奏的张力都一流，但这个1966年的模拟录音我更喜欢，演奏既势大力沉、雄浑开阔，又没有趋向极端的痕迹，速度并不快，但开放性的思路表现出难得的激情，特别是铜管，煞气逼人，听听《侏儒》里的小号，再听听朦胧如重纱般的《古堡》，可见同样的曲目，总是卡拉扬“拉”的更开、对比更强烈、更丰富，也更具艺术感染力，《波兰牛车》摄人的紧张度很少有别的版本能达到，而《两个犹太人》里小号又表现出一股歇斯底里的冷透气息，《墓窑》铜管里的威严与阴森无人可出其右，再听听《女巫》对动态与静态的描绘简直奇绝！合奏显示出极高超技术，低音大号绘声绘色的演奏栩栩如生，甚至是可爱！《基辅大门》的华丽与凯旋般的雄阔也十分激动人心，尾声的铜管与平锣震人心脾！我还是那句话：卡拉扬的标题音乐只管拿，绝对差不了。

曲目：
1、漫步Promenade
2、《侏儒Gnomus》一个小侏儒迈着畸形的双腿笨拙地走路。他身材矮小，八字脚外拐，十分丑陋。
3、漫步主题
4、《古堡The Old Castle》。中世纪的古城堡前，一个游吟诗人在夜幕中唱着他那纯朴忧伤而又动人的歌。
5、漫步主题
6、《杜伊勒里宫的花园The Tuileries Gardens》。副标题"孩子们游戏后的争吵"，
7、《牛车Bydlo》大号和乐队沉重、缓慢地进行，描绘牛车不堪重负地艰难行进着，悲戚的音调表现了农民的悲惨生活。
8、漫步主题
9、《鸟雏的舞蹈Ballet of the Chickens in their Shells》。木管乐器尖声尖气地瞅瞅叫着，小提琴高音明亮的颤音更使音乐活泼而极富幽默感
10、第六幅画《两个犹太人——胖子和瘦子Samuel Goldenbery and Schmuyle》。弦乐器齐奏展示威风凛凛、傲慢粗暴的胖犹太人的音乐形象，加弱音器的小号瘦小犹太人的音乐形象，生动形象地刻画了一富一穷的两个犹太人。
11、第七幅画《里莫日的集市The Market-place at Limages》。这是法国南部一个阳光明媚的集市。
12、第八幅画《墓穴The Catacombs》。沉重的、葬礼似的低音和威严的和弦有时阴森，有时又有着教室合唱般的效果。
13、漫步主题再出现
14、第九幅画《鸡脚上的小屋The Hut on Fowl‘s Legs》。小屋的主人是俄罗斯童话中的妖婆。野性发作般的音乐横冲直撞，表现了妖婆在树林中飞翔的幻想景象。
15、第十幅画《基辅大门The Great Gate of Kiev》。音乐是一首庄严的颂歌，像巨人一样气势宏伟。

莱纳版：https://pan.baidu.com/s/1k30ZBNJnojs75KPO_ikXaw?pwd=9snx
卡版：https://pan.baidu.com/s/1zDHyXw7bhCBKEr98c0cwDg?pwd=e0y2

spendor

gdyy223 发表于 2024-5-11 15:17
稍懂录音史的烧友明白，录音史笼统的划分为两大时期——即模拟录音与数码录音时期，如今在古典音乐领 ...

敬佩楼主的才学，也很想知道楼主平时用什么方式听音乐，耳机或者音箱系统？

MusicAV

gdyy223 发表于 2024-5-11 16:21
老兄说的这几版我回来找找是否有，施奈德汉和奥胖的贝小协很熟，索尔蒂和霍恩的卡门印像不深。

哈，我写错了。霍恩版是和伯恩斯坦，DG少有的TAS。索尔蒂的卡门是特洛杨诺斯  magnet:?xt=urn:btih:47E6F8B0AC5110BAF422338C991D11B98594B774

decnpo

gdyy223 发表于 2024-5-9 07:47
沁园春· 酒后自嘲

浪得虚名，能有何用？苦苦追求。

老师满腹经纶、潇洒活脱、光明洞彻！

bomberb2

gdyy223 发表于 2024-5-11 15:53
层主对西酒文化懂得够多，威士忌还有67度的？我印像中一般50度左右，家里的低点，45度

左边第一瓶 64.1度，中间 62.6度，右边 46度，

苏格兰法律规定，Scotch Whisky  苏格兰威士忌，必须用麦芽或谷物原料酿制，窖藏橡木桶3年以上，装瓶的酒精度大于等于40度，才能标签写明 SCOTCH WHISKY， 这是法律严格规定的，否则，不满足法规规定的不能写威士忌。只能写烈酒。国外的烈酒很多，麦芽威士忌属于烈酒中高档饮品。苏格兰威士忌是苏格兰非常骄傲的一个产业。美国波本威士忌的原料大多玉米（法律规定玉米超过51%），玉米，甘蔗，马铃薯等原料所酿制的烈酒，就不如苏格兰的麦芽威士忌好喝了（品味），更多用来做调酒（鸡尾酒）。 楼主也可以试试，除了威士忌以外的其他烈酒。我自己偏向 苏格兰威士忌，正如 意大利歌剧，还是意大利指挥与意大利乐队，歌手来演绎更有味道。

麦芽威士忌最多蒸馏4次，装桶前酒精度不超过94.8%。大部分 麦芽威士忌装桶前，酒精度达 70多度，装入橡木桶陈年3年以上，橡木桶每年蒸发3%左右的酒液，酒精浓度也递减。过3年以上就可以装瓶销售，但一般会窖藏陈年10年以上，再装瓶。打开木桶，可以实际测量整桶酒的酒精度多少，如果不稀释，直接原桶出来多少度(带小数点后一位），就多少度装瓶，则标签写明 CASK STRENGTH 原桶强度威士忌。如果 稀释，就一般按40%，43%，46% 这几种方式稀释后装瓶。一般窖藏年份越高，卖得越贵。酒精度越高，也卖得越贵。 如果是 桶强且高年份，则卖得更贵。例如威士忌里面的麦卡伦40年，50年，60年，哪些就是天价的酒。记得拍卖的酒的纪录，就是麦卡伦威士忌所创造的，超过百万美元一瓶。


老外的酒精饮品的 品类非常多，很复杂。值得认真学习和体验，正如他们的音乐，都是值得体验的。




这瓶13年且桶强60.2度



这瓶桶强且9年，67.6度

gdyy223

MusicAV 发表于 2024-5-11 16:09
律风根单支麦克录音之前听说过，库贝里克这张CD看封面熟悉应该下载过，晚上找出来或直接下载楼主分享的听 ...

老兄说的这几版我回来找找是否有，施奈德汉和奥胖的贝小协很熟，索尔蒂和霍恩的卡门印像不深。

MusicAV

gdyy223 发表于 2024-5-11 15:17
稍懂录音史的烧友明白，录音史笼统的划分为两大时期——即模拟录音与数码录音时期，如今在古典音乐领 ...

律风根单支麦克录音之前听说过，库贝里克这张CD看封面熟悉应该下载过，晚上找出来或直接下载楼主分享的听一下。

最早买CD时特别追求DDD，后来感觉就跟白开水一样无味。DG的录音CD听感总体上不讨人喜欢，DECCA尽管LP时代歌剧录音大出风头但转CD后缺少温暖感。
有两款印象较深的CD：DG发行的施耐德汉和奥伊斯特拉赫的贝多芬小提琴，DECCA发行的索尔蒂和霍恩的卡门。听后感觉与DG&DECCA之前买的CD声音不一样。之后在CD的封套上发现印着是AAD（是AAD，不是ADD）。可以这么猜测：没有经数字混音，用模拟混音后灌LP的音源转化的数字音频。

gdyy223

bomberb2 发表于 2024-5-10 22:57
哈哈，下回试试，威士忌桶强 cask strength, 酒精度一般超过58度，BTW, 好的威士忌比好的白酒便宜很多，
...

层主对西酒文化懂得够多，威士忌还有67度的？我印像中一般50度左右，家里的低点，45度

gdyy223

MusicAV 发表于 2024-5-10 22:04
这幢楼，也送楼主一部电影：马勒传。https://pan.baidu.com/s/1mYurkrt69WXivddfv2LqKg?pwd=erji
十多天 ...

多谢多谢！

lam8888

谢谢分享。

gdyy223

稍懂录音史的烧友明白，录音史笼统的划分为两大时期——即模拟录音与数码录音时期，如今在古典音乐领域，无论是运用AAD或ADD录音技术灌录唱片早以绝迹，但仍有相当大的一部分AAD和ADD的唱片颇得cm人青睐，究其原因，一、这两个录音标志的唱片，都是老一代艺术家珍贵的精彩演绎，随着时间推移越发显出不可多得，二、模拟时代有些精彩录音，特别是五、六十代出版的，杰出的音响效果丝毫不逊色于数码时期，甚至尤有过之，如水星公司1951年录制的这款穆索尔斯基《展览会图画》。

立体声录音始于1954年的RCA，很显然，这版《展览会图画》还是mono录音，但它却毫无疑问的成为录音史上模拟录音无可替代的典范之作，它最为神奇之处是水星（Mercury）天才录音大师罗伯特·法恩在这版录音中只采用了一只录音麦克风！这个突发奇想简直令人瞠目结舌，且在整个录音过程中对动态未加以任何修饰与调整！真正做到了“高保真”，而它所显示出来的录音效果极为出色，音场、动态、结像、聚焦、细节与空气感等等都没什么可挑剔的，我们丝毫听不出mono录音难以避免的狭窄与沉闷，相反，细节的鲜灵与音色出众的结像喷涌而出，令人“大快朵颐”！

这款唱片不仅动态出色，它同时有着浓郁的“胆味”，又看了看说明书才知道录音麦克风使用的是大名鼎鼎的德律风根—U47真空管麦克，难怪四处弥漫着浓浓的真空胆机味道，听听第四节“古堡”对萨克斯管出色的录音拾取，仿佛就在你眼前吹奏，充溢着宜人的萨克斯管的悠远幽香，的确能听出耳油，再加上如织錦锻般的弦乐群，将中世纪游吟诗人如悲如幻的古堡情节表现的十分抢眼，我对录音器材不在行，从也没予以过多的关注，但德律风根录音麦克名声太大，特别是自1946年以来的几十年间，它几乎是专业录音人士的最佳录音选择之一，它全方位指向的拾取性能，能最大限度保证了强动态、音频拓展与细节再现的非凡声响。

这版录音最出色之处仍在音乐演奏的动态上，德律风根-U47高灵敏度与宽广的频律响应特点在几段颇具动态幅度的曲目上很出色的表现出来，特别是铜管与击打乐器，从第一曲开声的明丽嘹亮到第二曲“侏儒”里凶猛的节奏与怪诞的姿态，音乐的瞬态反应很充分，无不录的栩栩如生，“波兰牛车”笨拙沉重的步态、“鸡雏舞蹈”的欢快诙谐、“两个犹太人”强烈的对比等等，都能给人以强列的画面感，而“罗马墓窑”铜管所表现出来的煞态与威严听起来也很是爽利，当然，受录音技术的局限，某些动态段落不可避免的有些尖锐，这不难听出来，再如“基辅之门”动态部分足够了，但失之于雄浑与宽广，这显然与mono和只摆放一支U47有关系,

此版于1951年4月由拉菲尔·库贝利克率芝加哥交响乐团录制，水星唱片公司1996年再版发行。

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